Omul în arta prezentării secolului XX. Pictura secolului al XX-lea - un nou limbaj al artei - prezentare conform culturii de artă de la Moscova. Un nou limbaj al artei

Constructivismul Unul dintre stiluri este Constructivismul, o metodă de avangardă sovietică în arte plastice, arhitectură, fotografie și arte decorative și aplicate, care a fost dezvoltată în 1920 și prima jumătate a anilor 1930. Unul dintre stiluri este Constructivismul, o metodă de avangardă sovietică în arte plastice, arhitectură, fotografie și arte decorative și aplicate, care a fost dezvoltată în 1920 și prima jumătate a anilor 1930.






Avantgarde Avantgarde (Avangarda franceză „detașament avansat”) este o denumire generală pentru mișcările din arta europeană care au apărut la cumpăna dintre secolele XIX și XX, exprimate într-o formă polemică și combativă. Avangarda se caracterizează printr-o abordare experimentală a creativității artistice care depășește estetica clasică, folosind mijloace de exprimare originale, inovatoare, subliniate de simbolismul imaginilor artistice. Avantgarde (Avangarda franceză „detașament avansat”) este o denumire generală pentru mișcările din arta europeană care au apărut la cumpăna dintre secolele XIX și XX, exprimate într-o formă polemică și combativă. Avangarda se caracterizează printr-o abordare experimentală a creativității artistice care depășește estetica clasică, folosind mijloace de exprimare originale, inovatoare, subliniate de simbolismul imaginilor artistice. Conceptul de avangardă este în mare măsură eclectic în natură. Acest termen denotă o serie de școli și mișcări în artă, având uneori o bază ideologică diametral opusă. Conceptul de avangardă este în mare măsură eclectic în natură. Acest termen denotă o serie de școli și mișcări în artă, având uneori o bază ideologică diametral opusă.


Precondiții Precondițiile pentru apariția mișcărilor de avangardă în arta și literatura europeană pot fi considerate o tendință generală de regândire a valorilor culturale paneuropene. Ultima treime a secolului al XIX-lea s-a caracterizat prin apariția unor noi lucrări filozofice care regândesc aspectele morale și culturale ale civilizației. Condițiile prealabile pentru apariția mișcărilor de avangardă în arta și literatura europeană pot fi considerate o tendință generală de regândire a valorilor culturale paneuropene. Ultima treime a secolului al XIX-lea s-a caracterizat prin apariția unor noi lucrări filozofice care regândesc aspectele morale și culturale ale civilizației. În plus, dezvoltarea progresului științific și tehnologic a împins umanitatea doar să schimbe percepția asupra valorilor civilizației, a locului omului în natură și societate, a valorilor estetice și morale. În plus, dezvoltarea progresului științific și tehnologic a împins umanitatea doar să schimbe percepția asupra valorilor civilizației, a locului omului în natură și societate, a valorilor estetice și morale.




Muzica rusă Muzica secolului al XX-lea este o denumire generală pentru un grup de mișcări în artă de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul anului. al XX-lea, în special modernismul, care stă sub motto-ul modernității și inovației. Aceste mișcări includ și expresionismul, constructivismul, neoclasicismul, precum și dodecafonia, muzica electronică etc. Muzica secolului al XX-lea în ansamblu este o imagine colectivă. al XX-lea, în special modernismul, care stă sub motto-ul modernității și inovației. Aceste mișcări includ și expresionismul, constructivismul, neoclasicismul, precum și dodecafonia, muzica electronică etc. Muzica secolului al XX-lea în ansamblu este o imagine colectivă






Reprezentanți Un reprezentant proeminent al teatrului modern este Teatrul Lenkom. Acest teatru este cunoscut de toată lumea astăzi - de la moscoviți și vizitatori până la spectatori înveterați. Este imposibil să ignori un astfel de teatru, pentru că este un teatru de vedete. Un reprezentant proeminent al teatrului modern este Teatrul Lenkom. Acest teatru este cunoscut de toată lumea astăzi - de la moscoviți și vizitatori până la spectatori înveterați. Este imposibil să ignori un astfel de teatru, pentru că este un teatru de vedete.


Teatrul secolului XX La Moscova au apărut noi teatre. Acolo, Serghei Eisenstein, Serghei Yutkevich, Serghei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass și multe alte viitoare figuri marcante ale artei sovietice au făcut primii pași. Noi teatre au apărut la Moscova. Acolo, Serghei Eisenstein, Serghei Yutkevich, Serghei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass și multe alte viitoare figuri marcante ale artei sovietice au făcut primii pași de scenă.


Cinema Cinema ca formă de artă diferă de altele prin natura sa sintetică. Sintetizează proprietățile estetice ale literaturii, teatrului, artelor plastice, fotografiei, muzicii, realizărilor în optică, mecanică, chimie și fiziologie. Popularitatea cinematografiei constă în combinația sa unică și varietatea mijloacelor expresive. Cinematograful, care a luat naștere la începutul secolului al XIX-lea și al XX-lea, a apărut sub influența nevoilor societății de a-și înțelege istoria, viața și activitățile și s-a dezvoltat în conformitate cu cultura secolului al XX-lea, prin urmare stilurile și direcțiile sale corespund principalelor stiluri de artă ale secolului al XX-lea. Cinematografia ca formă de artă diferă de altele prin natura sa sintetică. Sintetizează proprietățile estetice ale literaturii, teatrului, artelor plastice, fotografiei, muzicii, realizărilor în optică, mecanică, chimie și fiziologie. Popularitatea cinematografiei constă în combinația sa unică și varietatea mijloacelor expresive. Cinematograful, care a luat naștere la începutul secolului al XIX-lea și al XX-lea, a apărut sub influența nevoilor societății de a-și înțelege istoria, viața și activitățile și s-a dezvoltat în conformitate cu cultura secolului al XX-lea, prin urmare stilurile și direcțiile sale corespund principalelor stiluri de artă ale secolului al XX-lea.


Reprezentanți proeminenți În primele decenii de la înființare, cinematograful ca formă de artă doar își câștiga popularitate. În anii 20, cinematograful a devenit nu numai o formă de artă populară și la modă, ci și o industrie de film: s-au format multe studiouri de film și o rețea de distribuție a filmului. În acest moment, au fost create capodopere ale cinematografiei timpurii, încă tăcute - „Cuirasatul Potemkin” de S. Eisenstein, „Marea paradă” de K. Vidor cu C. Chaplin, „Lăcomia” de E. Stroheim. Opera regizorilor D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev a luat contur tocmai în acest moment.Al treilea deceniu al secolului al XX-lea este inclus în istoria cinematografiei ca început al epocii. a cinematografiei sonore, ceea ce îl face și mai răspândit. Statele Unite ocupă o poziție dominantă în industria filmului mondial. Adaptările comerciale ale filmelor muzicale de pe Broadway au fost foarte populare în această perioadă. Dar sunt create și adevărate opere de artă: „Modern Times” de C. Chaplin, „The Grapes of Wrath” de J. Ford, „Our Daily Bread” de K. Vidor. În URSS, pe ecrane au fost lansate capodopere ale cinematografiei interne „Merry Fellows”, „Volga-Volga” și „Circus” de G. Alexandrov, „Chapaev” de la frații Vasilyev etc.. În primele decenii după apariția sa, cinematograful ca formă de artă și-a câștigat doar popularitatea. În anii 20, cinematograful a devenit nu numai o formă de artă populară și la modă, ci și o industrie de film: s-au format multe studiouri de film și o rețea de distribuție a filmului. În acest moment, au fost create capodopere ale cinematografiei timpurii, încă tăcute - „Cuirasatul Potemkin” de S. Eisenstein, „Marea paradă” de K. Vidor cu C. Chaplin, „Lăcomia” de E. Stroheim. Opera regizorilor D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev a luat contur tocmai în acest moment.Al treilea deceniu al secolului al XX-lea este inclus în istoria cinematografiei ca început al epocii. a cinematografiei sonore, ceea ce îl face și mai răspândit. Statele Unite ocupă o poziție dominantă în industria filmului mondial. Adaptările comerciale ale filmelor muzicale de pe Broadway au fost foarte populare în această perioadă. Dar sunt create și adevărate opere de artă: „Modern Times” de C. Chaplin, „The Grapes of Wrath” de J. Ford, „Our Daily Bread” de K. Vidor. În URSS, pe ecrane sunt lansate capodopere ale cinematografiei interne „Jolly Fellows”, „Volga-Volga” și „Circus” de G. Alexandrov, „Chapaev” de la frații Vasiliev etc.

Secțiuni: MHC și ISO

Clasă: 11

Tipul de lecție: combinat

Formatul lecției: lecție - îmbunătățirea cunoștințelor, formarea unei noi viziuni problematice.

Obiective:

  • Formarea sensibilității estetice la ideile despre tradițiile istorice și valorile culturii artistice în pictura rusă și străină la începutul secolelor XIX-XX.
  • Dezvoltarea și formarea conceptului de „dialog între privitor și artist” bazat pe lucrările lui V. Kandinsky.
  • Educarea sferei emoționale a elevilor.
  • Dezvăluie și rezuma principalele direcții ale mișcărilor artistice în pictură la cumpăna dintre secolele XIX și XX;
  • Pentru a forma o imagine artistică holistică, cu mai multe fațete a epocii, plină de diverse trăsături individuale;

Echipament: computer, proiector, placă demonstrativă.

Interval vizual: uh pigraf pe tablă, prezentare - prezentare de diapozitive pe tema lecției.

Prezentare de diapozitive: O. Renoir „Leagăn”, Paul Gauguin „„Viziunea după predică, sau lupta lui Iacov cu îngerul”, E. Munch „Țipătul”, V. Borisov - Musatov „Iazul”, A. Matisse „Camera roșie” , S. Dali „Lebedele înfățișate în elefanți”, P. Picasso „Les Demoiselles d’Avignon”, V. Kandinsky „Vaca”, „Tabelele schemelor de culori”

Planul lecției:

I. Moment organizatoric. Raportarea temei și a obiectivelor lecției.

II. Parte principală. Repetarea, clasificarea, generalizarea materialului acoperit.

III. Obținerea de noi cunoștințe pe baza analizei materialului acoperit, familiarizarea cu mișcarea „Cubismului”, „Artei abstracte”.

IV. Rezumând lecția, teme.

În timpul orelor

Vreau să încep lecția cu cuvintele artistului Henri Matisse: „A crea înseamnă a exprima ceea ce este în tine.”

eu. Astăzi sarcina noastră va fi să creăm un portret specific al unei epoci din istoria picturii, la cumpăna dintre secolele XIX și XX, o epocă plină de căutări creative, experimente care au schimbat complet ideile despre pictură și rolul artistului în ea. . În această epocă, când se naște o nouă direcție de avangardă în artă și, din păcate, încă nu este pe deplin înțeleasă de mulți și nu este meritată, provocând negare. La începutul lecției, vom decide asupra gamei de întrebări la care trebuie să obținem răspunsuri în timpul lecției.

Postez aceste întrebări în fața ta pe foi de hârtie, astfel încât în ​​timpul lecției să le poți vedea mereu și să-ți determini singur răspunsurile.

1. Care mișcare artistică poate fi considerată începutul avangardei?

2. Cu ce ​​mișcare artistică începe pătrunderea prin realitatea vizuală în lumea unei noi realități?

3.Cum se schimbă subiectul artistului și de ce?

4.De ce termenul „descrie” se schimbă în termenul „exprima”?

II. Mai întâi, să definim cum înțelegeți termenul „avangardă”, „avangardă”.

Avangarda, avangarda este un nume general pentru mișcările din lume care au apărut la începutul secolelor XIX și XX. Ele se caracterizează prin noutate, curaj și o direcție experimentală în artă.

Să trecem acum prin expoziția de artă, unde fiecare lucrare este selectată în așa fel încât să fie o piatră de hotar certă în direcția avangardă.

1. Primul tablou al artistului francez O. Renoir. Suntem familiarizați cu opera acestui artist și această direcție în artă. Ce vă puteți aminti?

Impresionism. Pictura „Leagăn”.

Ah, acum, aș vrea să evaluezi această lucrare puțin diferit. Imaginați-vă ce s-ar schimba în tehnica de scriere a artistului dacă un artist ar scrie pe un astfel de subiect într-o manieră clasică?

Hainele bărbatului și femeii ar fi vopsite cu flori fără pete, iarba și frunzele ar fi pictate mai atent. Particularitatea scrisului impresionist este de a descrie lumea reală prin jocul de lumini și umbre, împărțind culoarea în spectre.

Acest lucru dă impresia că munca este făcută „în grabă”, fără o elaborare detaliată. Așa se deosebește stilul clasic de scris de impresioniști.

Putem doar să adăugăm că decizia impresioniștilor de a picta așa cum văd eu, și nu așa cum este obișnuit, devin punctul de plecare al plecării de la realism și de la principiul complotului în pictură. Și dacă ne uităm acum la prima întrebare pusă la începutul lecției, atunci răspunsul este deja clar.

Începutul mișcării de avangardă este impresionismul. O mișcare în care natura este înfățișată așa cum o vede ochiul, iar superioritatea viziunii autorului față de acuratețea reproducerii lumii vizibile este deja observată. Acesta este primul pas mic într-o nouă direcție, acesta este începutul lui.

2. Paul Gauguin „Viziunea după predică sau lupta lui Iacov cu Îngerul”.

Să decidem asupra direcției artistice a acestui tablou.

Paul Gauguin este considerat un artist post-impresionist.

Postimpresionişti, merg mai departe. Ei resping afirmația că doar ceea ce vede ochiul la un moment dat există. Paul Gauguin lucrează activ la cum să înțeleagă legile prin care sunt create senzațiile umane. Cu alte cuvinte, pentru a găsi acea graniță între realitate și irealitate, de exemplu, o imagine a unei persoane și a sentimentelor sale. Și aceasta este lumea invizibilă, lumea ireală. Acest lucru este clar vizibil în imagine. El a arătat granița dintre realitate (enoriașii bretoni) și viziunea lor (Iacov și Îngerul).

Să ne întoarcem la întrebările noastre. Răspunsul la a doua întrebare tocmai a primit răspuns. Mișcarea artistică a postimpresionismului combină realul și fantasticul, și deja arată o descoperire în „lumea noii realități””.

3. E. Munch „The Scream”. Această imagine ne este deja familiară. De asemenea, suntem familiarizați cu direcția ei.

Expresionism, care înseamnă expresie.

Dacă expresie, atunci ce exprimă artistul exact în expresionism?

Emoții umane, în acest caz negative: frică, durere, umilință, lipsă de speranță.

Sunt emoțiile umane lumea reală sau lumea invizibilă pentru ochiul uman? Pot emoțiile umane, varietatea, puterea lor să ne apară ca un fel de realitate? La urma urmei, întreaga noastră lecție se bazează pe o înțelegere a realității și a irealității.

Ca realitate, probabil că nu.

În acest scop, au început să fie folosite noi tehnici, care se bazează pe deformarea formei. Această tehnică a fost folosită de E. Munch când a vrut să transmită pe pânză sentimentele unei persoane speriate de moarte. Ce fel de lume devine expresionismul spectacol?

Expresionismul este o lume „invizibilă”, în care principalul lucru sunt emoțiile umane.

Cum explicați termenul „expresie” în raport cu expresionismul?

Probabil, emoțiile umane pot fi doar exprimate, nu descrise.

De ce încep să acorde atenție unui fenomen atât de complex precum emoțiile?

Probabil că devin interesați de lumea interioară a unei persoane.

Locul de naștere al expresionismului, dacă vă amintiți, a fost Germania la începutul secolului al XX-lea. Înflorirea exuberantă a tehnologiei și industriei pe fondul degradării fundamentelor culturale. Suprimarea personalității, omul nu a fost niciodată atât de mic ca atunci, dorința sufletului, strigătul său de ajutor - acestea sunt principalele dominante emoționale ale expresionismului.

3. V. Borisov - „Lac de acumulare” Musatov.

Mișcarea simbolismului, trăsăturile sale: artiștii împing imaginea naturii în fundal, principalul lucru pentru ei este ideea lor despre lumea fanteziei lor, lumea lor invizibilă. Conceptul de „simbol” este introdus ca reprezentant al noii realități. Noua realitate este doar o reprezentare, o fantezie, de aceea i se permite să se schimbe, nu poate decât să amintească de un obiect real. Și simbolul nu trebuie să fie neapărat similar cu un obiect din lumea reală. Poate fi similar în mod condiționat și, în consecință, înfățișat condiționat.

Concluzie: ideea contactului a două lumi - realitatea vizibilă și noua realitate, unde noua realitate este un simbol al lumii vizibile.

4. A. Matisse „Camera roșie”.

Pictura artistului francez Henri Matisse, „Camera roșie”, este neobișnuită la prima vedere. Să încercăm să-i înțelegem caracteristicile. Schemă de culori neobișnuită, imagine plată. În ce direcție crezi că a fost scris?

fauvism. (sălbatic). Se caracterizează printr-o culoare deschisă și lipsă de volum. Artiștii au continuat experimentele cu culoarea, volumul și reprezentarea convențională a unui obiect pe planul picturii; au abandonat reproducerea iluzorie a spațiului tridimensional, concentrându-se pe proprietățile decorative ale suprafeței picturii.

Tot ce s-a spus este corect. Rămâne să adăugăm puțin că termenul „fauvism” apare datorită criticului Louis Vauxcelles.

5. P. Picasso „Les Demoiselles d’Avignon”.

Ce mișcare de avangardă reprezintă ea?

Amintiți-vă cuvintele lui P. Cezanne: „Totul în natură este modelat sub formă de minge, con și cilindru. Trebuie să învățăm să scriem pe aceste cifre simple. Dacă înveți să stăpânești aceste forme, vei face tot ce vrei” (MHC, clasa a XI-a, autor L. Rapatskaya, p. 110). Dar P. Cezanne a vrut să spună că aceste forme de bază trebuie reținute ca principiu organizator al tabloului. Cu toate acestea, Picasso și prietenii săi au luat sfatul la propriu. Apariția numelui acestei mișcări este asociată cu criticul de artă Louis Vaucelle, care a numit noile picturi ale lui Braque „ciudățenii cubice”.

Prin urmare, desigur, am înțeles cu toții despre ce curent vorbim acum.

Ce se poate spune despre cubism, despre trăsăturile lui de scriere?

Se bazează pe experimente cu construcția de obiecte tridimensionale pe un plan. Construirea unei noi forme artistice ca urmare a analizei geometrice a subiectului si a spatiului.Concluzie elevi si profesor: Experimente cu forma.

6. S. Dali „Lebedele înfățișate în elefanți”. Să vorbim despre acest tablou pe baza a ceea ce știm despre suprarealism. Pictura este clară datorită tehnicii sale de scriere. Autorul este Salvador Dali, mișcarea este suprarealism.

Suprarealism. Super realism, în care sursa de inspirație se află în subconștientul uman, bazat pe teoria lui S. Freud. Un reprezentant proeminent este S. Dali. Sensul irațional. Fiecare natură (lebede, elefanți, copaci) din imagine este complet reală. Dar viața lor împreună pe pânză este o absurditate totală.

Unde am venit? În lumea ilustrată a iluziilor, în propriul Univers al artistului, pe care ni l-a arătat.

III. Profesor: Pe baza mai multor opere de artă, am trasat logica dezvoltării avangardei, pornind de la impresionism la suprarealism. Cumpărarea secolelor al XIX-lea și al XX-lea a fost o perioadă de descoperiri extraordinare în domeniul artei, o perioadă de experimente remarcabile, o perioadă de nouă înțelegere a artistului ca individ în pictură. Aș dori să subliniez în mod special că această dezvoltare nu a fost liniară. Fiecare artist a ales ceea ce era mai acceptabil pentru el. La urma urmei, artiștii nu mai sunt reprezentați pe pânză, și-au exprimat ideile, gânduri, fantezii, Universul tău. Alegerea direcției depindea în întregime de ideea pe care o avea în minte. Când P. Picasso a fost întrebat în ce direcție va picta următorul tablou, el a răspuns aproximativ: „În cea care exprimă mai bine ideea mea”. Pictura a încetat să mai înfățișeze, pictura a început să exprime ideea artistului. Artistul devine treptat un creator, iar crearea unui tablou este un act de creație. Lumea vizibilă, care a fost descrisă anterior de pictorii secolelor trecute, nu mai era inspiratoare. Artiștii au început să fie inspirați de lumea „cealaltă”, pe care nu o vedem, dar ea trăiește întotdeauna integral lângă noi. Lumea sentimentelor, experiențelor, fanteziilor noastre. Dacă te gândești cât de mult se extinde lumea imaginilor pe care un pictor poate transfera pe pânză. La urma urmei, ceea ce creează un artist este limitat doar de imaginația lui personală. Prin urmare, rolul artistului se schimbă, el nu mai este un copist al lumii „pe care a creat-o Dumnezeul Atotputernic”, el este însuși creatorul - creatorul universurilor sale. Malevici a spus: „Eu sunt începutul tuturor, pentru că lumile sunt create în conștiința mea”. Lumea pe care a creat-o Dumnezeu nu este interesantă pentru ei; în plus, ei înșiși se simt ca niște zei - creatori. Și dacă acestea sunt lumi create de creatorii înșiși - artiștii, atunci legile universului vor fi doar cele pe care artistul însuși le vine. Dar aici apar multe dificultăți, în primul rând, în înțelegerea ideii de lume pe care artistul a creat-o. Acest lucru, într-o măsură mai mare, respinge telespectatorii artiștilor de avangardă care sunt obișnuiți să vadă o anumită intriga literară în fiecare imagine. Pătrunderea unei idei și înțelegerea expresiei acesteia într-un tablou este o sarcină dificilă, dar interesantă. Aș dori să citez o afirmație: „Tabloul ar trebui să fie complex. Când te uiți la ea, tu însuți devii mai complex. Când urci o scară, nu scara te ridică, ci efortul pe care îl depui.” Desigur, trebuie să depui eforturi emoționale și intelectuale pentru a clarifica imaginea. Dar există și un mare interes pentru asta!

Dar să ne gândim mai departe. Vor fi acele imagini din tablourile artistului, de exemplu, Salvador Dali, pe care ni le arată, vor fi realitate? Cum le-ar fi putut crea el însuși? A pictat el tabloul, transmițând privitorului lumea sa invizibilă a fanteziei? La urma urmei, imaginea pe care artistul și-o creează inițial în lumea fanteziilor sale, o vede el însuși, ca prin pupilă spre interior. Și ce vedem în tabloul lui pictat? Realitatea sau copia ei?

O copie, exact, o copie!

acestea vor fi doar copii, deși fantezii ale propriilor lumi, dar totuși copii. Dar dacă artistul este un creator, așa cum se înțeleg artiștii de avangardă, și lumea pe care o creează ar trebui să fie doar reală, nu o copie. Dar ce poate crea cu adevărat un artist însuși? Să încercăm să ne dăm seama folosind un exemplu.

Pictură de M. Saryan „Natura moartă”.

Ce se arată aici?

Struguri, banane, pere.

Dacă acestea sunt struguri, banane, pere, să gustăm.

Copiii ajung la concluzia că acest lucru nu se poate face, pentru că... Aceasta este doar o imagine a fructelor.

Aceasta înseamnă că vedem doar o imagine sau o copie a obiectelor reale. Dar acest lucru nu se potrivește cu ideile artiștilor de avangardă despre rolul lor ca creatori.

Dacă imaginea este o copie, ce este real aici? Uite ce țin în mâini? (reproducere încadrată). Copiii trebuie să ajungă singuri la concluzia că:

Ceea ce este real este ceea ce țin în mâini, o pânză, iar pe ea sunt vopsele..., adică. imaginea în sine, care poate fi ținută, poate fi simțită ca un obiect real. Adevărata realitate nu este în reprezentarea fructelor din imagine, ci în imaginea în sine.

Ce altceva este real în imagine? În afară de pânză, ce mai vedem?

Copiii trebuie să ajungă la o concluzie

Vopsele care înfățișează în prezent fructe.

Apare o nouă logică a avangardismului: „Dacă doar culorile dintr-un tablou sunt reale, atunci este necesar să înfățișăm viața acestor culori pe pânză!”

Prin urmare, care este concluzia?

Tabloul din pictură a început să fie conceptualizat ca un lucru material într-un mediu real. Doar vopselele sunt materiale, prin urmare, ceea ce va fi reprezentat pe un lucru material (pictura) nu este atât de important (doar vopselele sunt importante), așa că artiștii refuză să înfățișeze altceva decât vopsele pe pânză. Cum putem înțelege ideea artistului? La urma urmei, ideea vine întotdeauna pe primul loc, și apoi orice altceva... Și din nou se propune o înțelegere importantă - un dialog între privitor și artist. Să ne amintim cuvintele: Când urci scările, nu scările te ridică, ci efortul pe care îl faci.” La urma urmei, scara este nivelul nostru intelectual, care nu poate fi extins fără efort. Gandeste-te la asta. Lucrările avangardei nu sunt ușor de înțeles, dar asta ne atrage spre ele.

Pictura încetează să mai înfățișeze orice realitate; ea însăși a devenit această realitate. De aceea vedem rama, pânza, vopselele. „Vezi ceea ce vezi” - Imaginea este ca realitatea.

Acum să ne uităm la definiția abstracționismului pe ecran:

Abstracția (latină abstractio - îndepărtare, distragere) este o direcție a artei non-figurative care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate în pictură și sculptură. Unul dintre scopurile artei abstracte este de a realiza „armonizare”, creând anumite combinații de culori și forme geometrice pentru a evoca diverse asocieri în privitor, deși unele picturi arată ca un simplu punct în mijlocul pânzei. Fondatori: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova, Mihail Larionov.

Pe ecran este un tablou de V. Kandinsky „Vaca”.

Lucrare practică „dialog între privitor și artist”. Tabelul 1 este distribuit cu un dicționar simbolic și psihologic, bazat pe lucrarea „Despre arta spirituală” de V. Kandinsky

(Imaginea provoacă nedumerire și surprindere în neînțelesul ei).

Acum va trebui să ne confruntăm noi înșine cu următoarele întrebări: „despre ce?” și „cum?”

Dar mai întâi, puțin despre biografia artistului.

Vasily Vasilyevich Kandinsky (4 (16 decembrie), 1866, Moscova - 13 decembrie 1944, Franța) - un pictor remarcabil, grafician și teoretician al artelor plastice, unul dintre fondatorii artei abstracte. A fost unul dintre fondatorii grupului Blue Rider și profesor Bauhaus.

Născut la Moscova, el a primit principala sa educație muzicală și artistică la Odesa, când familia sa mutat acolo în 1871. Părinții intenționau ca fiul lor să devină avocat; Vasily Vasilyevich a absolvit cu brio Facultatea de Drept a Universității de Stat din Moscova. La 30 de ani, a decis să devină artist; acest lucru s-a întâmplat sub influența expoziției impresioniste de la Moscova în 1895 și a picturii „Stocuri de fân” de Claude Monet. În 1896 s-a mutat la München, unde i-a cunoscut pe expresioniştii germani. După izbucnirea primului război mondial, s-a întors la Moscova, dar, nefiind de acord cu atitudinea față de artă din Rusia sovietică, în 1921 a plecat din nou în Germania. În ultimii ani locuiește în Franța, în suburbiile Parisului.

Una dintre întrebările importante care l-a îngrijorat pe artist: „Cu ce ​​trebuie înlocuit obiectul?” Lumea obiectivă din lucrările artistului este încă, într-o oarecare măsură, păstrată. Există, de asemenea, întotdeauna un anumit complot transversal, un mic subtext care trebuie găsit. Dar principalul lucru în lucrările artistului sunt elementele sale de bază, care excită, în cuvintele artistului, „vibrații ale sufletului”. Aceasta este: o sinteză de vopsea, culoare, forme care sunt construite după legile compoziției, unde el a numit obiectivitatea (o persoană, un nor, un copac) adevărata savoare a compoziției.

Să încercăm să aplicăm cheile noastre - sfaturi, mai întâi picturii, unde se păstrează încă elementul vizual „Vaca”. Lucrări practice „dialog între privitor și artist” „Vaca este considerată împreună”.

Rezultatele sunt la final.

Concluzie: Trebuie să rezumam munca noastră și să răspundem la întrebarea lecției: „Ce căutări creative caracterizează pictura la începutul secolelor XIX – XX?” De unde au început aceste căutări creative?

Mișcarea de avangardă în artă începe cu impresionism.

Postimpresionism, simbolism - o mișcare către începutul înțelegerii de către artiști a lumii invizibile.

Artiștii încep să devină interesați de lumea emoțiilor și fanteziilor umane; ei creează și exprimă pe pânză propriile lumi ale noii realități. Apar picturi abstracte. Un exemplu izbitor de pictură abstractă este considerat a fi pictura lui V. Kandinsky.

Lucrare practică cu lucrarea „Vaca” de V. Kandinsky

La început s-a spus că toate teoriile viziunii tale sunt acceptate, nu fi timid și te temi să spui ce este greșit. Picturile lui V. Kandinsky au atâtea interpretări câte privitori există. Prin urmare, cu siguranță ar trebui să-l încercăm și noi.

“Vacă".

  • - Alb - Tăcere, tăcere, început. Dar aici, nu este alb pur, este alb și roz. Culoarea este caracterizată ca începutul unei noi forțe, energie (conexiune cu roșu).
  • Există însă și pete roșii și portocalii, care subliniază și mai mult primul raționament.
  • Galben - culoare portocalie - persoană (fată) pământească, umană, activă, sănătoasă.
  • Deasupra este albastru închis. Cauzează multe controverse în interpretare. Ei ajung la concluzia despre emoțiile umane - tristețe, ("fata este tristă. Dunga este galben-portocalie, ceea ce înseamnă că tristețea va trece în curând). Există multă tristețe și melancolie în viață.
  • Verde - pace, cu adăugarea de galben - tristețea este înlocuită cu bucuria tinereții, energia vieții viitoare
  • Culoarea albă a îmbrăcămintei este un simbol al începutului, mai degrabă al unei noi vieți.
  • Culoarea neagră este moartea, după care va veni viața (fată în alb).

În depărtare sunt pereți albi de clădiri care arată ca temple (cupole mici) sau mănăstiri. Combinația de negru, albastru și alb este ca supunerea unei singure legi: moartea și renașterea. Culoarea albă este un simbol al purității și infinitului.

Aceste imagini par să crească din vacă. Vaca este sursa legii vieții și renașterii.

La finalul lucrării, spre comparație, am citit interpretarea picturii făcută în revista „Arta” nr. 1, 2010. Băieții au fost mulțumiți de munca lor.

Muzica imaginii. Culoare albă – încă nu se aude sunete, dar orchestra este gata... Tuba a început să cânte în liniște, cu un ritm de tobe tot mai mare. Intră violoncel și contrabas. Flautul cântă încet și trist, urmat de vioara. O scurtă pauză, ca o respirație adâncă. Melodia se repetă cu mici modificări, pentru că „nu poți păși în râu de două ori”...

„LIMBAJUL CULORII” V. Kandinsky

Principiul central al conceptului lui Kandinsky poate fi considerat afirmația despre doi factori care determină efectul psihologic al culorii: „căldură-rece” și „lumină-întuneric”. Ca rezultat, se nasc mai multe „sunete” posibile de vopsele.
1. Atitudine - galben - albastru. Galbenul „se mișcă” către privitor, iar albastrul - departe de el. Galben, portocaliu roșu – idei de bucurie, sărbătoare, bogăție. Dacă adăugați albastru la galben (fă-l mai rece, deoarece albastrul este o culoare rece), vopseaua va deveni verzuie. Este nascut senzație dureroasă de sensibilitate crescută(ca o persoană iritată cu care este interferată). Vopseaua galbenă intens deranjează o persoană, ustură și afectează sufletul. Dacă te răcești galben, te afectează până la un acces de nebunie strălucitoare. Artista compară această culoare cu extravaganța nebună a culorilor din toamna trecută. Galbenul este o culoare pământoasă, nu are adâncime.

2. Albastru. „Vopsea cerească” - chemarea la infinit. Mișcarea de la persoană la centru. Albastru profund - pace, coborât până la negru – tristețe. Albastru deschis – indiferență, indiferență.

Verde – culorile galbene și albastre sunt paralizate în el – pace: nici bucurie, nici tristete, pasiv. Dacă se adaugă la verde galben, verdele devine din ce în ce mai tânăr , Mai multă distracție. Și, dimpotrivă, împreună cu albastru - seriozitate, chibzuință. Când este deschis (adăugând alb) sau întunecat (negru), verdele „își păstrează caracterul elementar de indiferență și calm” (p. 48). Albul sporește aspectul „indiferenței”, iar negrul - „pace”.

alb pentru Kandinsky este simbolul unei lumi în care toate culorile, toate proprietățile materiale și substanțele au dispărut. Această lume stă atât de sus deasupra omului, încât nu vine niciun sunet de acolo. Albul este o mare tăcere, un zid rece, nesfârșit, o pauză muzicală, o finalizare temporară, dar nu finală. Această tăcere nu este moartă, ci este plină de posibilități și poate fi înțeleasă ca „niantul” care precede începutul și nașterea.

Negru- „nimic” fără posibilități, nimic mort, liniște eternă fără viitor, pauză și dezvoltare completă. Aceasta este urmată de nașterea unei lumi noi. Negrul este sfârșitul, un foc stins, ceva nemișcat, ca un cadavru, liniștea trupului după moarte, cea mai tăcută vopsea.

Vesmintele albe exprimă bucurie pură și puritate imaculată, în timp ce hainele negre exprimă cea mai mare, cea mai profundă tristețe și moarte. Albul și negrul își găsesc echilibrul (precum galbenul și albastrul) unul cu celălalt în gri. Este, de asemenea, o vopsea silentioasa si nemiscata. Kandinsky numește gri „ imobilitate de neconsolat" Mai ales se referă gri închis, care acționează și mai neconsolat și mai sufocant.

Roșu. Culoare vie, vitală, agitată. Exprimă maturitate masculină, putere, energie, determinare, triumf, bucurie (în special roșu deschis)

Cinabrul este o pasiune uniformă, o forță încrezătoare în sine, care „arde” în sine. O culoare deosebit de iubită de oameni. Adâncirea roșului duce la o scădere a activității sale. Rămâne însă o strălucire internă, o premoniție a activității viitoare.

Violet. Un sunet dureros, ceva stins și trist și este asociat cu sunetul fagotului și al pipei

Portocale - seriozitatea roșului.

Și V. Kandinsky a comparat culoarea cu sunetul instrumentelor muzicale. Galbenul este sunetul unei trompete, albastrul deschis este un flaut, albastrul închis este un violoncel, albastrul profund este o orgă, verdele este tonurile medii ale unei viori; roșu – fanfară; Violet – fagot și pipă;

MHC, clasa a XI-a

Lecția #28

Arhitectură

secolul XX

D.Z.: Capitolul 25, ?? (p.319-320), TV. sarcini (p.320-322)

© ed. A.I. Kolmakov


Lecția nr. 26

Partea 1

OBIECTIVELE LECȚIEI

  • Promova conștientizarea studenților cu privire la rolul arhitecturii secolului al XX-lea în cultura mondială;
  • Dezvoltați abilitățile studiază în mod independent materialul și îl pregătește pentru prezentare; să continue dezvoltarea capacității de analiză a lucrărilor de arhitectură;
  • A menționa cultura percepției capodoperelor arhitecturii secolului XX.

CONCEPTE, IDEI

  • constructivism;
  • modulator;
  • S. E. Le Corbusier;
  • V. E. Tatlin;
  • „stil mondial”;
  • constructivism în URSS;
  • monumentul „Turnul Internaționalei a III-a”;
  • „arhitectură organică”;
  • F. L. Wright;
  • O. Niemeyer;
  • "orasul ideal"

Activități de învățare universale

  • caracterizează trăsăturile corela evaluează valoarea și contribuția descrie si analizeaza explorați problema noutății filmează un reportaj video
  • caracterizează trăsăturile dezvoltarea arhitecturii mondiale a secolului al XX-lea. (folosind exemplul capodoperelor arhitecturale);
  • corela o operă de arhitectură cu o anumită epocă istorică, stil, școală națională specifică;
  • evaluează valoarea și contribuția arhitecți individuali în istoria dezvoltării artei mondiale;
  • comentează punctele de vedere științifice și evaluarea creativității autorilor individuali;
  • descrie si analizeaza monumente ale arhitecturii mondiale și domestice în unitate de formă și conținut;
  • dezvoltarea unui proiect creativ individual o structură arhitecturală în stilul unuia dintre arhitecții secolului XX;
  • efectuarea unei analize comparative cele mai bune exemple de constructivism arhitectural în lucrările lui S. E. Le Corbusier și V. E. Tatlin;
  • explorați influența metodei creative A. Gaudi despre arhitectura lui F. L. Wright (ca parte a unui proiect creativ individual);
  • explorați problema noutății soluții arhitecturale ale lui O. Niemeyer și respingerea tradițiilor clasice;
  • filmează un reportaj video despre monumentele de arhitectură modernă ale orașului dumneavoastră

MATERIAL DE ÎNVĂȚARE NOU

Temă de lecție. Ce semnificație are munca reprezentanților arhitecturii secolului al XX-lea pentru civilizația și cultura lumii?


sub-intrebări

  • Constructivism de S. E. Le Corbusier și V. E. Tatlin. Noi idei și principii ale arhitecturii secolului XX. S. E. Le Corbusier ca creator al „stilului mondial” în arhitectura secolului al XX-lea. Căutați forme simple și sisteme de proporții. Principiile artistice ale S. E. Le Corbusier (pe baza exemplului clădirilor celebre). Dezvoltarea constructivismului în URSS. V. E. Tatlin ca fondator al constructivismului și designului sovietic. Ideile artistice ale lui V. E. Tatlin și întruchiparea lor reală. Modelul monumentului „Turnul celei de-a treia Internaționale” este creația principală a arhitectului.
  • „Arhitectura organică” de F. L. Wright. Recunoașterea la nivel mondial a metodei creative a lui F. L. Wright (folosind exemplul vilei Kaufman). Originalitatea și noutatea soluțiilor arhitecturale ale lucrărilor.
  • O. Niemeyer: un arhitect obișnuit să surprindă. Unicitatea stilului și „poezia formei”. Visul unui „oraș ideal” și întruchiparea lui reală (folosind exemplul orașului Brasilia). Căutarea identității naționale a arhitecturii moderne

Principalele direcții în arhitectura începutului de secol XX:

  • Modern
  • Constructivismul
  • Organic
  • Postmodernismul
  • Deconstructivismul

La început XX secolele au fost înlocuite cu desene clare .

În arhitectura anilor 1920 -1930. a luat o poziţie dominantă constructivism (simplitate, utilitarism și economie) versiunea originală a mișcării paneuropene funcţionalismul , numit stilul internaţional.

Functionalism (în Uniunea Sovietică - constructivism ) - o direcție care necesită respectarea strictă a clădirilor și structurilor.


CONSTRUCTIVISM (construo - construi) - o direcție care a apărut în anii douăzeci ai secolului XX.

Constructivismul - Metoda avangardei sovietice (regia).

Constructivismul – aplicarea principiilor geometrice în toate domeniile vieții (arhitectură, mobilier, îmbrăcăminte).

Ţintă - aranjarea vieţii moderne, transformarea vieţii sociale.

Idei si principii:

- arhitectura trebuie sa fie usoara si sa dea o senzatie de plutire;

Arhitectura trebuie să subjugă fluxurile uriașe de lumină din interiorul clădirii și să învețe să se joace cu efectele de lumină din exterior;

Datorită noilor materiale și tehnologii, arhitectura trebuie să învețe să opereze cu spații integrale de dimensiuni enorme.

În arhitectura secolului al XX-lea. tehnic nou

oportunități și creativitate artistică.

Club numit după Zuev, Moscova

Clubul numit după Rusakova


Obiecte principale – structuri funcționale de tip nou:

gări, fabrici, fabrici, poduri, clădiri publice și clădiri rezidențiale.

clădire Mosselprom, Moscova

Arhitecții au căutat să creeze o atmosferă confortabilă cu forme de construcție simple și clare.

Pentru expresivitate folosim: asimetrie, opoziție de planuri orizontale și verticale, combinație de clădiri cu peisaj.

În arhitectură se creează formele de faguri, spice de porumb, scoici, știuleți de porumb etc.


Opera din Sydney. Australia

Principiile noii arhitecturi:

  • ușurință și senzație de plutire;
  • multă lumină în interiorul clădirii;
  • spatiu imens.

Ferestrele au început adesea să înlocuiască pereții, iar interioarele au fost eliberate de excese și supraîncărcări cu detalii.

Cadre de oțel cu structuri verticale, umplute cu lifturi de mare viteză și alte echipamente, au fost aruncate clar provocarea clasicilor .

Trăsături caracteristice ale constructivismului - rigoare, geometrizare, forme laconice și aspect monolit.


– creatorul primilor zgârie-nori , care au devenit un simbol al orașului american modern. El a formulat principiile construcției clădirilor înalte, pe care arhitecții le folosesc și astăzi.

LOUIS

SULLIVAN

(1856-1924)

Primul zgârie-nori al arhitectului Louis Sullivan din Chicago din St. Louis a creat o adevărată revoluție în arhitectură.

zgârie-nori din Chicago. STATELE UNITE ALE AMERICII

„...Casa unei persoane ar trebui să semene cu o „casă a albinelor”, așa că ar trebui ridicate „stupi pentru oameni” - structuri uniforme și standard în care o persoană se va simți parte dintr-o biosferă urbană gigantică.”


Chicago. Zgârie-nori.

Louis Sullivan a formulat principiile construcției zgârie-norilor: Primul - un zgârie-nori are nevoie etaj subteran, care va adăposti încăperi de cazane, centrale electrice și alte dispozitive care furnizează clădirii energie și căldură. Al doilea - primul etaj ar trebui să fie dat băncilor și magazinelor si alte unitati care au nevoie de spatiu mare, multa lumina, ferestre luminoase si acces usor din strada. Al treilea - al doilea etaj nu trebuie să aibă mai puțină lumină și spațiu decât primul.

Al patrulea - intre etajul doi si cel de sus ar trebui sa existe nenumarate spatii de birouri , nu sunt diferite unele de altele în aspect. a cincea - ultimul etaj , precum și subteran, trebuie sa fie tehnic . Aici se află sistemele de ventilație.


Remarcabil arhitect constructivist francez XX V., creatorul „stilului mondial”.

Pentru prima dată am început să folosesc module prefabricate din beton armat în clădirile mele

LE CORBUSIER

Le Corbusier. Vila Savoy. 1927-31 Poissy

El a căutat baza pentru o „nouă arhitectură” în pur forme geometrice, linii în unghi drept, în combinații perfecte de verticală și orizontală, în culoarea albă absolută .


Celebra vilă se remarcă prin perfecțiunea sa rafinată a formelor și claritatea proporțiilor. Terase situate la diferite niveluri, poduri de tranziție, rampe și scări care pătrund în spațiu, iluminatul puternic creează impresia de fuziune cu natura și posibilitatea de intimitate completă pentru o persoană.

Vila Savoy(1927-1931) Poissy, Franța

Inventează un sistem de proporții arhitecturale derivate din proporțiile figurii umane - modulator


CASĂ LA MARSEILLE (1945-1952)

O casă – o locuință pentru o persoană – este o „mașină de locuit”.

– ciudat model de locuinta ideala pentru o persoana . Proiectat pentru 350 de familii (aproximativ 1.600 de persoane), întruchipează în mod clar ideea autorului că „o casă este o mașină de locuit”.

Casa este ridicată pe stâlpi înalți și include 337 de apartamente cu două etaje, magazine, hoteluri, grădină pe acoperiș, sală de sport, pistă de jogging, piscină, grădiniță , adică tot ceea ce are nevoie o persoană pentru o viață confortabilă.


Structuri arhitecturale

Le Corbusier

Capela Notre-Dame du Haut,

Ronchamps, Franța

Casa

Centrosoyuz

in Moscova.


ÎN URSS Dezvoltarea constructivismului a fost importantă nu numai pentru arhitectură, ci și pentru toate tipurile de artă. Artiștii anilor 1920 a propus sarcina de a proiecta mediul material din jurul oamenilor. Ei au căutat să folosească noua tehnologie pentru a crea forme simple, logice, justificate funcțional și oportune

desene. Proiecte arhitecturale originale

frații A. A., V. A. și L. A. Vesnin, M. Ya. Ginzburg,

A. V. Shchuseva, I. I. Leonidova, K. S. Melnikova au fost realizate în cele mai mari orașe ale Rusiei.

Vladimir Evgrafovich Tatlin

- fondator al constructivismului și designului artistic sovietic, pictor, stenograf.

Turnul Internaționalului III. 1919-1920

Înălțimea este de 400 m, de 1,5 ori mai mult decât Turnul Eiffel.


ORGANICE (arhitectură organică)- o direcție în arhitectură formulată pentru prima dată de Louis Sullivan bazată pe principiile biologiei evoluționiste în anii 1890 .

  • Paralel odată cu constructivismul s-a dezvoltat o direcție, numită convențional „arhitectură organică”.
  • Clădirea este formată din multe blocuri diferite, care sunt finalizat doar ca parte a clădirii .

Arhitectura organică presupune respingerea formelor geometrice stricte .

La proiectarea fiecărei clădiri se iau în considerare tipul zonei înconjurătoare și scopul acesteia , totul este supus armoniei.

Fiecare cameră are propriul său scop, care poate fi ghicit la prima vedere.

  • Motivele care au dat impuls dezvoltării arhitecturii organice:
  • prezența noilor materiale de construcție care vă permit să creați cele mai bizare forme arhitecturale;
  • sentimentul de unitate cu natura pe care îl dă o astfel de clădire.

FRANK LLOYD

WRIGHT

„...Arhitectura ar trebui în primul rând să „slujească” viața umană și abia apoi să fie un simbol al conceptelor abstracte de „bunătate și frumusețe”. Clădirea nu ar trebui să copleșească peisajul, ci să crească în mod natural din el, contopindu-se cu el și formând o unitate organică.”

(1869-1959)

Ideea arhitecturii organice, propusă de arhitectul și teoreticianul artei american Frank Lloyd Wright (1869-1959), a primit recunoaștere în întreaga lume și practică.

implementare în multe țări. El a atribuit arhitecturii rolul de principiu unificator între om și mediu. În opinia sa, ar trebui în primul rând să „slujească” viața umană și abia apoi să fie un simbol al conceptelor abstracte de „bunătate și frumusețe”. Clădirea nu trebuie să copleșească

peisaj, dar cresc în mod natural din el, contopindu-se cu el și formând o unitate organică.

Sub influența arhitecturii japoneze, și-a dezvoltat așa-numitul „Stil de prerie”- cornișe luminoase, terase deschise joase situate în grădini izolate, lângă rezervoare naturale. El credea că preriile au „o frumusețe proprie” și, prin urmare, sarcina arhitectului era „să vadă și să evidențieze această splendoare naturală”.

Interesele sale au inclus vile private de la țară și dezvoltări urbane masive.


Țară Casa Kunley . Riverside


VILA E. KAUFMAN „DEAsupra Cascadei” (1936-1939)

Peste o sută de case particulare au fost create de F.L. Wright a durat doar zece ani, dar a adus o soluție arhitecturală unică fiecăruia.

Vila a devenit o adevărată capodopera a arhitectului. Pliul aspru al pereților de piatră zdrobită a continuat în mod natural stâncile, contopindu-se cu o mică cascadă, copaci puternici și un pârâu de pădure. Grinzile din beton armat ancorate în stâncă au susținut un sistem complex de terase proeminente. Scara din centrul casei cobora direct la cascada. Arhitectura clădirii literalmente „dizolvată” în natură.


MUZEU MODERN ARTELE Guggenheim (1943-1959) NY

  • unul dintre primele muzee de artă modernă din lume. Acum, acest muzeu, situat în Manhattan, în New York, se bucură de faima binemeritată și este popular printre vizitatori.

„..Wright a fost ultimul romantic și primul raționalist din arhitectura americană” (A. V. Ikonnikov).



Vizitatorii Muzeului Guggenheim încep din partea de sus și spirală în jos. Acest concept unic pentru amenajarea sălilor a fost propus de arhitect F. L. Wright.



Oscar Niemeyer și palatele sale de sticlă și beton.

Oscar Niemeyer este un clasic al arhitecturii care a lucrat cu Le Corbusier și a construit „orașul viitorului”- capitala țării sale, Brasilia, și coautor al proiectului pentru sediul ONU din New York. Nu a încetat să creeze aproape până la moartea sa.

Oscar Niemeyer a murit la vârsta de 105 ani. Moștenirea sa este de peste 400 de clădiri în 18 țări,

(1907-2012)

"Nu sunt atras de unghiuri drepte si linii drepte, neschimbate si clare create de om. Sunt atras de curbe, libere si senzuale. Acele curbe pe care le putem vedea in siluetele de munte, sub forma valurilor marii, pe corpul de o femeie iubită.”


Cel mai faimos proiect al lui Niemeyer este proiectul orașului Brasilia.

Masterplanul pentru noua capitală a Braziliei (Brasilia) s-a bazat pe intersecția a două axe, în formă de silueta unui avion de linie zburător.


A devenit celebru pentru experimentele sale în domeniul arhitecturii din beton armat.

Stilul său de semnătură se distinge printr-un larg utilizarea formelor curbilinie, o abundență de lumină și spațiu.

minister

afaceri străine

Brazilia

"Cred că arhitectura are succes dacă este vizibilă imediat după finalizarea structurilor principale. Acesta este ceea ce este important și nu despre ce vor fi acoperite mai târziu", a spus el într-un interviu.


Clădirea de locuințe „Kopan” în Sao Paulo (1951-1965), este o abreviere pentru C ompanhia P un- A mericana de H oteis și Turism

O clădire imensă, ondulată, care seamănă cu un steag fluturat, este cel mai mare complex rezidențial din America Latină.

Casa este formata din șase blocuri atașate una de alta. Toate blocurile sunt conectate între ele în trei locuri: acoperiș, galerie comercială și parter .

Inaltime - 140 m, 38 etaje, 1160 de apartamente și aproximativ 5000 de locuitori . Primăria din Sao Paulo și-a atribuit propriul indice (ser.: 01046-925) clădirii datorită populației sale dense.

Pătrat 6006 mp .


Palatul Guvernului din Brasilia, 1960

Originalitatea stilului arhitectural al lui O. Niemeyer este

plasticitate extraordinară a formelor, exprimată în netezime

tranziții de la spațiul interior la cel exterior, introducere în compoziția lucrărilor de pictură și sculptură, organice

combinație de arhitectură cu arta grădinăritului.

Stilul său este adesea numit stilul „liniilor curbe elegante”.


Muzeul Modernului

artă în Niteroi, 1996

„Nu sunt atras nici de un unghi drept, nici de un drept, dur,

o linie rigidă creată de om. Linia liber curbată și senzuală mă atrage. Acea linie care îmi amintește de munții țării mele, de coturile bizare ale râurilor, de norii înalți...”

O. Nemeyer


Catedrala din Brasilia, 1960-1970

Ele se ridică deasupra solului ca o coroană uriașă, numai 16 coloane albe în formă de săgeată , fiecare dintre ele sub forma unei curbe parabolice pleacă de pe acoperișul mic. Suporturi de 90 tone Se îngustează spre pământ, ceea ce conferă întregii structuri un aspect neobișnuit de ușor și grațios. Cel mai părți funcționale complexe clădire ascuns sub pământ . Între suporturi este situat plasă de sticlă colorată care, atunci când este privit din exterior noaptea sau din interior în timpul zilei, este o gamă vibrantă de albastru și verde.


Palatul Congresului Național din Brasilia, 1960

Munca de viață a arhitectului a fost dezvoltarea unui general

plan de dezvoltare „prima capitală a civilizației moderne” - orașul Brasilia.

După ce a proiectat cea mai mare parte a activităților administrative

și clădiri rezidențiale, timp de trei ani (1957-1960) a întruchipat visul unui oraș ideal pe măsura nevoilor.

a unei persoane și corespunzătoare ideilor sale despre frumos. Literal de nicăieri, a fost creat unul dintre cele mai neobișnuite orașe de pe planetă, care în prezent are Statutul de patrimoniu mondial UNESCO.


Muzeul Național al Braziliei, 2006

Contrastul de cupole și piramide, coloane în formă de săgeți și boluri rotunjite, forme geometrice stricte și deschise

piețe și parcuri, spațiu și logică în amenajarea străzilor - toate acestea fac ca orașul creat de geniul lui O. Niemeyer să fie unic luminos

și expresiv.


Muzeul Național și Biblioteca Națională din Brasilia, 2006,

conform proiectelor din 1958

Întrebări de control

1 . Ce principii ale arhitecturii constructiviste au fost întruchipate de S. E. Le Corbusier?

Ce distinge proiectele sale de urbanism? A reușit să realizeze

„misiune socială” a arhitecturii, de a crea pentru oameni „o bunăvoință și

o poză veselă”?

2. Turnul lui V. E. Tatlin - un monument III Internațional - încă nu a fost pierdut

relevanța sa și uimește prin îndrăzneala arhitecturală și artistică

deciziilor. Care sunt principalele descoperiri ale autorului? Cum s-a manifestat?

universalitatea opiniilor sale? Cât de utopic crezi

ideile unui mare visător? Care este motivul uitării lor și ulterioare

renaștere în arta arhitecturii mondiale? Compara mostre

Constructivismul arhitectural în lucrările lui S. E. Le Corbusier și V. E. Tatlin.

3. Ideile nerealizate ale lui V. E. Tatlin au fost folosite mai târziu în multe

structuri moderne, de exemplu: clădiri guvernamentale

Brasilia (arh. O. Niemeyer), structuri ale Centrului care poartă numele. J. Pompidou la Paris (arh.

R. Rogers, R. Piano), clădirea Muzeului de Artă Modernă Guggenheim din New

York (arhitectul F.L. Wright), Opera din Sydney (arhitectul J. Utzon). Cât costă

este legitim să afirmăm că turnul lui V. E. Tatlin a devenit un model,

stimularea gândirii creative a arhitecților moderni? in ce esti

Vedeți întruchiparea reală a ideilor lui V. E. Tatlin? Explică-ți răspunsul.

4. Istoricul de artă arhitecturală P. Nuttgens a scris despre vila „Deasupra cascadei”:

„Wright a creat cel mai bun exemplu de structură creată de om care completează

natură." În ce moduri și cum „a completat natura”? Ce întruchipare în a lui

aspectul arhitectural a găsit „stilul de prerie”? Ca în lucrările lui F. L. Wright

S-a împlinit visul etern al vieții umane printre natura neatinsă?

Este posibil să vorbim despre influența lui A. Gaudi asupra operei lui F. L. Wright?

5. Într-unul dintre interviurile sale, O. Niemeyer a spus: „Principalul lucru în arhitectură este că aceasta

a fost nou, a atins sufletul unei persoane, i-a fost de folos, astfel încât o persoană să poată

bucură de ea." Ce este nou despre arhitectura lui O. Niemeyer? Este ea capabilă

excită sufletul unei persoane și, în același timp, să-i fie de folos?

Atelier de creație

1. Oferiți o descriere comparativă a unei clădiri pe care o cunoașteți

modernitate și constructivism. În ce măsură întâlnesc ele principalele

criterii de arhitectură: utilitate, forță și frumusețe? In care

clădire în care ați prefera personal să locuiți? De ce?

2. S. E. Le Corbusier a formulat cinci principii de bază

arhitectură nouă: o casă pe stâlpi cu care să întărească legătura

spațiu de mediu; plan deschis, care

vă permite să modificați și să ajustați procesele funcționale;

construcția liberă a fațadei pentru o compoziție mai largă

decizii; ţinând cont de percepţia vizuală se propune

forma de bandă orizontală a ferestrelor; acoperiș plat pt

mărirea suprafeţei utile în care pot fi amplasate grădini. Care

Aceste principii s-au reflectat în clădirile lui Le Corbusier

arhitectură? Care a fost influența lui

dezvoltarea în continuare a arhitecturii?

3. Luați în considerare imaginea capelei din Ranshan de S. E. Le Corbusier.

Ce tehnologii noi au fost folosite în construcția sa? Ce

monumentalitatea aspectului său arhitectural? Compară asta

o lucrare cu simboluri religioase tradiționale cunoscute de tine

cladiri. Ce îi face diferiți?

Atelier de creație

4. Ideea lui V. E. Tatlin de a crea un turn al celei de-a Treia Internaționale poate

fi luate în considerare în lumina construcției înalte în diverse

epoci istorice (piramidele Egiptului Antic și precolumbiene

America, ziguratele mesopotamiene, inginerie și cult

clădiri din Antichitate, Evul Mediu și Orientul Antic). Care

ce obiective și-au propus creatorii lor? Cum au fost întruchipați în ele

ideile principale ale erei tale istorice?

5. La Muzeul de Artă Modernă Guggenheim din New York,

proiectat de F. L. Wright, istoric de arhitectură

D. S. Curl a văzut „Un exercițiu uimitor de formal

geometrie”, dar nu o clădire destinată

vizualizarea operelor de artă. Alții l-au perceput

ca o sculptură masivă. Care crezi că au fost motivele

pentru astfel de evaluari?

6. Lucrarea lui O. Niemeyer a fost puternic influențată de S. E. Le

Corbusier, însă, a reușit să-și dezvolte propriul stil. Cum

poate explica faptul că unii critici sună

Structurile arhitecturale ale lui Niemeyer cu sculpturi și el însuși

„Sculptor-monumentalist”? Este legal asta, cu dvs

puncte de vedere?

Teme de cercetare sau de prezentare a proiectului

1. Dezvoltarea ideilor arhitecturale de S. E. Le Corbusier.

2. Principii de bază ale arhitecturii și implementarea lor S. E. Le Corbusier.

3. Trăsături ale ansamblurilor urbane S. E. Le Corbusier.

4. Sh. E. Le Corbusier - arhitectul viitorului.

5. „World Style” de S. E. Le Corbusier.

6. Constructivismul arhitectural al unuia dintre orașele Rusiei.

7. Căutări creative ale arhitecților constructiviști din anii 1920-1930.

8. Capacitățile expresive ale lucrărilor lui V. E. Tatlin.

9. Ideile artistice ale lui V. E. Tatlin și întruchiparea lor reală în lucrări de arhitectură modernă.

10. Semnificația lucrărilor lui V. E. Tatlin în dezvoltarea artei designului și arhitecturii.

11. Turnul Babel și turnul Internaționalului III V. E. Tatlin: utopia sau realitatea planului.

12. Idei de „arhitectură organică” și întruchiparea lor figurativă în

lucrările lui F. L. Wright.

13. Fanteziile arhitecturale ale lui F. L. Wright.

14. „Stilul de prerie” și întruchiparea lui în clădirile lui F. L. Wright.

15. Care este originalitatea designului arhitectural al Muzeului de Artă Modernă Guggenheim?

16. Problema expresivității figurative în operele lui O. Niemeyer.

17. „Poezia formei” de O. Niemeyer.

18. Caracteristici ale arhitecturii religioase.

19. Visul unui „oraș ideal” și întruchiparea lui în creativitate (folosind exemplul Brasiliei).

20. Creații ale lui S. E. Le Corbusier și O. Niemeyer: experiența analizei comparative.

21. Creativitatea lui O. Niemeyer: noutatea soluțiilor arhitecturale sau respingerea tradițiilor clasice.


  • Azi am aflat...
  • A fost interesant…
  • A fost dificil…
  • Am învățat…
  • Am fost capabil...
  • Am fost surprins...
  • Am vrut…

Literatură:

  • Programe pentru instituțiile de învățământ general. Danilova G.I. Cultura artistică mondială. – M.: Dropia, 2011
  • Danilova, G.I. Art / MHC. clasa a 11-a Nivel de bază: manual / G.I. Danilova. M.: Dropia, 2014.
  • Kalinina E.M., profesoară de artă și artă, Instituția de învățământ municipală „Școala secundară Ermishinskaya”, r.p. Ermish, regiunea Ryazan http://urokimxkizo.ucoz.ru/

Descrierea prezentării prin diapozitive individuale:

1 tobogan

Descrierea diapozitivei:

2 tobogan

Descrierea diapozitivei:

La începutul secolului XX, sub ochii unui public uluit, s-a născut o nouă artă, capabilă să capteze imaginația celor mai sofisticați privitori și critici. Avangarda rusă a devenit un fenomen unic în istoria culturii mondiale, care astăzi ocupă un loc onorabil în expozițiile celor mai mari muzee din lume. Artiștii ruși, care au stăpânit cu brio tradițiile picturii franceze ale fauvismului și cubismului, și-au găsit propria cale. Maeștri ai avangardei ruse: Vasily Vasilyevici Kandinsky (1866 – 1944) Kazimir Severinovici Malevici (1878 – 1935) Pavel Nikolaevici Filonov (1883 – 1941)

3 slide

Descrierea diapozitivei:

Wassily Kandinsky Viitorul artist sa născut la Moscova în 1866 în familia unui om de afaceri de succes. La scurt timp după nașterea artistului, familia sa s-a mutat la Odesa, unde băiatul a început să crească și a primit primele lecții de pictură și muzică. În 1885 s-a mutat la Moscova și a intrat la Universitatea din Moscova. Picturile din acea vreme nu l-au interesat prea mult, deoarece dorea să-și dedice viața activității juridice. Cu toate acestea, 10 ani mai târziu, în 1895, hotărăște să renunțe la această direcție și se cufundă cu capul cap în artă. Acest lucru s-a datorat unei expoziții la care artistul a văzut opera lui Monet „Haystack”. Apropo, la acea vreme avea deja 30 de ani. După ce a sosit din străinătate, artistul a început să participe activ la activități sociale și educaționale, dar în 1921 Kandinsky V.V. a decis să nu se mai întoarcă în patria sa. Acest lucru a fost cauzat de dezacorduri semnificative cu autoritățile. Cu toate acestea, chiar și în ciuda plecării forțate, artistul până la sfârșitul zilelor a păstrat în inimă dragostea pentru poporul și cultura rusă, pe care și-a exprimat-o pe pânzele sale.

4 slide

Descrierea diapozitivei:

5 slide

Descrierea diapozitivei:

La sfârșitul anilor 20 ai secolului XX, artistul s-a mutat la Murnau, un orășel de lângă Munchen. Aici, în tăcerea unei zone rurale, el creează una dintre cele mai bune lucrări ale sale - „Lacul”. Pictura a fost pictată în spiritul expresionismului. În ciuda faptului că pânza a fost de fapt creată din viață, nu are nimic în comun cu priveliștile reale ale lacului. Pictorul a crezut pe bună dreptate că pensula sa ar trebui să surprindă nu doar obiecte individuale, oameni, plante, ci aroma și gustul lor, sentimentele și emoțiile. Este important să nu arăți, ci să te facă să simți și să înțelegi. La pictarea imaginii, s-au folosit culori albastru intens, portocaliu și chiar verde. O revoltă de culori se extinde oriunde poate vedea ochiul uman. Lacul ocupă întreaga pânză a imaginii; în partea dreaptă a acestuia se pot vedea mai multe bărci mici. Se pare că au aparținut pescarilor sau iubitorilor de plimbări de seară. Lacul a fost pictat la apus, pentru că suprafața lui este pătată de razele soarelui. Poza este strălucitoare, emoționantă, fermecatoare.

6 diapozitiv

Descrierea diapozitivei:

7 slide

Descrierea diapozitivei:

Pictată în ajunul primului război mondial și a revoluției, această imagine este considerată o variație a temei Apocalipsei. Potrivit criticilor de artă, această compoziție particulară personifică distrugerea lumii. În ciuda aparentului multicolor, contrastul principal este clar vizibil - între alb și negru. Pentru Kandinsky, aceste culori simbolizează nașterea și, respectiv, moartea. Astfel, compoziția întruchipează lupta dintre lumină și întuneric. Albul, răspândit pe întregul plan al imaginii, prevalează asupra întunericului, împingându-l în colțul din stânga sus, simbolizând dezvoltarea și transformarea. Artistul a numit Flood motivul original. Treptat, complotul original a fost dizolvat în culori și mutat într-o stare internă, independentă, pur picturală. În toată opera lui Kandinsky, precum și în această compoziție, există o legătură incontestabilă cu icoana. A folosit adesea scene din Vechiul și Noul Testament ca bază pentru picturile sale. Această pictură, împreună cu „Compoziția nr. 7”, concepută ca o imagine a întregii lumi, a cosmosului în momentul dezastrului, este considerată punctul culminant al evoluției creative a lui Kandinsky.

8 slide

Descrierea diapozitivei:

Slide 9

Descrierea diapozitivei:

Compoziția 7 Puteți privi imaginea numai din perspectiva atitudinii lui Kandinsky față de formă și culoare - numai în acest caz compoziția capătă o semnificație uriașă și profundă. Culorile dominante ale pânzei sunt roșu - un simbol al forței, al puterii intenționate, imense; albastrul este culoarea păcii, iar albul este personificarea eternității, existenței pre-primare. În lucrare există și o culoare galbenă, pe care autorul a caracterizat-o întotdeauna ca fiind frivolă și rapid împrăștiată. Criticii și cercetătorii de artă, pe baza înregistrărilor din jurnal și studiind opera lui Kandinsky în ansamblu, au ajuns la concluzia că Compoziția a VII-a combină mai multe teme în intriga și înțelegerea sa emoțională - Judecata de Apoi, Potopul, Învierea din morți și Grădina al Edenului.

10 diapozitive

Descrierea diapozitivei:

11 diapozitiv

Descrierea diapozitivei:

Pictura „Curba dominantă” este una dintre cele mai izbitoare și caracteristice din opera artistului. Arată influența suprarealismului. Alături de formele geometrice familiare artei abstracte, Kandinsky introduce pe această pânză câteva obiecte și imagini biomorfe strălucitoare. Artistul credea că fiecare operă de artă este un lucru în sine care nu necesită înțelegere de către public și, parcă pentru a confirma această idee, a experimentat la nesfârșit forma și culoarea. „Curba dominantă” multicoloră din acest tablou este realizată în principal din vopsea roșie și verde. În stânga acestuia sunt cercuri mari galbene și verzi, dând în mod absolut neașteptat ceva ca o nuanță purpurie închisă la joncțiune. În colțul din dreapta sus există cercuri alb-negru cu formă ideală, care amintesc de discuri de gramofon. În colțul din dreapta jos se află o scară cubică albastră și albă. Detaliile rămase ale imaginii par a fi de origine biologică; rotunjime roz și albă asemănătoare cu ghearele de crustacee; două formațiuni multicolore care seamănă cu un profil uman; elemente negre și verde închis care arată ca tulpinile și frunzele plantelor. Pictura se află în prezent la Muzeul Guggenheim din New York.

12 slide

Descrierea diapozitivei:

Slide 13

Descrierea diapozitivei:

Picturile lui Kazimir Malevich sunt cunoscute de milioane de oameni, dar doar câțiva le înțeleg. Unele dintre picturile artistului sperie și irită prin simplitatea lor, în timp ce altele încântă și fascinează cu profunzimea și semnificațiile lor secrete. Malevich a creat pentru câțiva aleși, dar nu a lăsat pe nimeni indiferent. Kazimir Severinovici Malevici s-a născut în 1879 la Kiev. El provenea dintr-o familie de etnici polonezi. Familia era numeroasă. Cazimir era cel mai mare dintre cei 14 copii. Familia vorbea exclusiv poloneză și comunica cu vecinii în ucraineană. În 1905, Malevici a plecat la Moscova. A încercat să intre la Școala de Pictură din Moscova, dar nu a fost înscris la curs. În 1906, a făcut o a doua încercare de a intra la școală, a eșuat din nou și s-a întors acasă. În 1907, întreaga familie s-a mutat la Moscova. Kazimir a început să participe la cursuri de artă. În 1910-1914, a început o perioadă de recunoaștere a creativității neo-primitiviste a lui Malevich. A participat la un număr mare de expoziții de la Moscova (de exemplu, „Jack of Diamonds”) și a expus într-o galerie din München.

Slide 14

Descrierea diapozitivei:

15 slide

Descrierea diapozitivei:

Celebrul tablou a împărțit nu numai viața artistului, ci și istoria artei în două perioade. Pe de o parte, nu trebuie să fii un artist grozav pentru a desena un pătrat negru pe un fundal alb. Da, oricine poate face asta! Dar iată misterul: „Pătratul Negru” este cel mai faimos tablou din lume. Au trecut deja 100 de ani de când a fost scrisă, iar disputele și discuțiile aprinse nu se opresc. De ce se întâmplă asta? Care este adevărata semnificație și valoare a „Pătratului Negru” a lui Malevici?

16 slide

Descrierea diapozitivei:

1. „Pătratul negru” este un dreptunghi întunecat Să începem cu faptul că „Pătratul negru” nu este deloc negru și deloc pătrat: niciuna dintre laturile patrulaterului nu este paralelă cu oricare dintre celelalte laturi ale acestuia și cu oricare dintre laturile cadrului pătrat care încadrează poza . Iar culoarea închisă este rezultatul amestecării diferitelor culori, printre care nu a existat negru. Se crede că aceasta nu a fost neglijența autorului, ci o poziție de principiu, dorința de a crea o formă dinamică, în mișcare.

Slide 17

Descrierea diapozitivei:

2. „Piața neagră” este un tablou eșuat Pentru expoziția futuristă „0,10”, care a fost deschisă la Sankt Petersburg pe 19 decembrie 1915, Malevici a fost nevoit să picteze mai multe tablouri. Timpul se scurgea deja, iar artistul fie nu a avut timp să termine tabloul pentru expoziție, fie nu a fost mulțumit de rezultat și l-a acoperit neplăcut, pictând un pătrat negru. În acel moment, unul dintre prietenii săi a intrat în studio și, văzând tabloul, a strigat: „Genial!” După care Malevich a decis să profite de oportunitate și a venit cu o semnificație mai înaltă pentru „Pătratul său negru”. De aici și efectul vopselei crăpate pe suprafață. Nu există misticism, imaginea pur și simplu nu a funcționat.

18 slide

Descrierea diapozitivei:

3. „Pătratul negru” este un cub multicolor Kazimir Malevich a declarat în mod repetat că imaginea a fost creată de el sub influența inconștientului, o anumită „conștiință cosmică”. Unii susțin că doar pătratul din „Piața Neagră” este văzut de oameni cu imaginație subdezvoltată. Dacă, luând în considerare această poză, treci dincolo de percepția tradițională, dincolo de vizibil, vei înțelege că în fața ta nu se află un pătrat negru, ci un cub multicolor. Semnificația secretă încorporată în „Pătratul Negru” poate fi apoi formulată astfel: lumea din jurul nostru, doar la prima privire superficială, arată plată și alb-negru. Dacă o persoană percepe lumea în volum și în toate culorile ei, viața sa se va schimba dramatic. Milioane de oameni, care, potrivit lor, au fost atrași instinctiv de această imagine, au simțit subconștient volumul și „Pătratul negru” multicolor. Culoarea neagră absoarbe toate celelalte culori, așa că este destul de dificil să vezi un cub multicolor într-un pătrat negru. Și să vezi albul din spatele negrului, adevărul din spatele minciunilor, viața din spatele morții este de multe ori mai dificilă. Dar cel care reușește să facă asta va descoperi o formulă filosofică grozavă.

Slide 19

Descrierea diapozitivei:

Totodată, în cadrul aceleiași expoziții au fost create și expuse „Cercul Negru” și „Crucea Neagră”, reprezentând cele trei elemente principale ale sistemului suprematist. Mai târziu, au fost create încă două pătrate suprematiste - roșu și alb.

20 de diapozitive

Descrierea diapozitivei:

21 de diapozitive

Descrierea diapozitivei:

În ceea ce privește sensul imaginii, Ksana Blank a îndrăznit să compare suprematismul lui Kazimir Malevich și opera lui Lev Tolstoi. Într-una din poveștile lui Tolstoi există o descriere a unei încăperi în care personajul principal este învins de melancolie. Camera arată așa. Pereții camerei sunt văruiți în alb. Spațiul în sine avea o formă pătrată, ceea ce a influențat foarte mult persoana. Era o singură fereastră, de care era atârnată o perdea roșie. Astfel, se crede că pătratul roșu simbolizează melancolia. Mai devreme, Malevich a explicat semnificația primului său „Pătrat Negru”. Ea a constat în faptul că pătratul era un anumit sentiment pentru autor, iar fundalul alb acționa ca un gol care se ascunde în spatele acestui sentiment. În acest sens, Ksana Blank a ajuns la concluzia că pictura „Piața roșie” simbolizează teama de sosirea morții inevitabile și teama de gol în viața unei persoane.

22 slide

Descrierea diapozitivei:

În 1916, a organizat societatea Supremus, unde a promovat ideile de îndepărtare de la cubism și futurism la suprematism. După revoluție, el, după cum se spune, „a intrat în flux” și a început să lucreze mult la dezvoltarea artei sovietice. În acest moment, artistul locuia deja la Petrograd, lucrând cu V. Meyerhold și V. Mayakovsky, predând la Școala de Artă a Poporului, care a fost regizat de M. Chagall. Malevich a creat societatea UNOVIS (mulți dintre studenții lui Malevich l-au urmat cu fidelitate de la Petrograd la Moscova și înapoi) și chiar și-a numit fiica Una. În anii 20, a lucrat ca director al diferitelor muzee și institute din Petrograd, a desfășurat lucrări științifice și didactice, a expus la Berlin și Varșovia, a deschis mai multe expoziții în muzee de vârf din Petrograd și Moscova, a predat la Kiev, unde a fost deschis un atelier special pentru l.

Slide 23

Descrierea diapozitivei:

K.S. Malevici. ţărancă. 1928 – 1932 Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg.

24 slide

Descrierea diapozitivei:

Kazimir Malevich a creat „Femeia țărănească” în anii 1928-1930. A rămas fidel tradițiilor sale: forme geometrice voluminoase în nuanțe orbitoare, părți ale corpului disproporționate, fundaluri minimaliste, oameni complet lipsiți de individualitate. . Artistul își înfățișează personajul cu un oval negru în locul capului, brațele atârnând moale și neputincioase, un halat alb indică faptul că aceasta este o femeie. Figura stă pe dungi contrastante ale unui câmp colorat. Nu există alte corpuri în plan secund: aici și autorul a rămas fidel stilului său. Cu toate acestea, trăsătura distinctivă a „Femeia țărănească” este conturul rochiei ei. Comparând o femeie alb-negru cu multicolorul general, se poate indica că imaginea ei este sumbră. Pictura simbolizează modul de viață al țăranilor - muncitori. Munca lor de sclav, grijile nesfârșite și chinul dintr-o viață dificilă - asta descriu astfel de picturi. Malevich își depersonalizează eroii, arată caracterul lor de masă, asemănarea, nesemnificația și meschinătatea vieții umane.

25 slide

Descrierea diapozitivei:

În 1930, Malevici a fost trimis la închisoare. A fost acuzat de spionaj pentru Germania. Dar anchetatorii și prietenii din autorități au făcut totul pentru a se asigura că artistul va fi eliberat în termen de șase luni. Puțini oameni știu că, pe lângă „Pătratul Negru”, există și „Cercul Negru” și „Triunghiul Negru”, iar maestrul a rescris „Pătratul Negru” de mai multe ori și doar ultima, a patra versiune l-a mulțumit complet. În anii 30 a lucrat la Muzeul Rus, a expus mult, dar a pictat în principal portrete, deși era interesat de arhitectură și sculptură. În 1933 s-a îmbolnăvit grav și a murit în 1935. A fost înmormântat lângă satul Nemchinovka, unde a trăit și a lucrat mult timp.

26 slide

Descrierea diapozitivei:

Slide 27

Descrierea diapozitivei:

Soarta lui Pavel Nikolaevich Filonov este cu adevărat dramatică. În timpul vieții, nu și-a vândut niciunul dintre tablourile sale, crezând că tot ceea ce a creat ar trebui să aparțină numai oamenilor. Cu zece ani înainte de moartea sa, sărac și pe jumătate înfometat, artistul a continuat să picteze fără întrerupere. Neînțeles, respins de contemporanii săi, uitat de unii studenți, neputând expune, visa totuși să-și doneze tablourile statului. După ce a început asediul Leningradului, Filonov era de serviciu în pod, aruncând bombe incendiare de pe acoperiș: îi era foarte teamă că picturile vor pieri în incendiu - asta era tot ce crease în toată viața. Potrivit martorilor oculari, Filonov, înfășurat în zdrențe, a stat ore în șir într-o mansardă bătută de vânt și s-a uitat în zăpada care zbura în fereastra pătrată. El a spus: „Atâta timp cât voi sta aici, casa și picturile vor rămâne intacte. Dar nu-mi pierd timpul. Am atât de multe idei în cap.” Filonov a murit de epuizare chiar la începutul asediului.

Pentru a utiliza previzualizările prezentării, creați un cont Google și conectați-vă la el: https://accounts.google.com


Subtitrările diapozitivelor:

Principalele direcții de dezvoltare a picturii din secolul al XX-lea

Caracteristici generale Secolul XX este marcat de o varietate extraordinară de tendințe artistice în artele vizuale, care nu pot fi unite de niciun stil. Pictura secolului al XX-lea este caracterizată de o varietate de stiluri și direcții și de căutarea unor noi căi în arta plastică.

Mișcări în fauvismul artelor plastice (Henri Matisse); Cubismul (Pablo Picasso); Suprarealism (Salvador Dali); Artă abstractă (Wassily Kandinsky); Suprematism (Kazimir Malevich); Analiticism (Pavel Filonov).

Fauvismul Una dintre primele mișcări artistice ale secolului XX a fost fauvismul (sălbăticia). Fauvismul se caracterizează prin imagini plate, linii groase și o combinație de culori galbene și verzi. Inițial, fauvismul a fost considerat o artă extraterestră, abia mai târziu cercetătorii au găsit în ele o metodă creativă unică.

A. Matisse „Dansul”, 1910. Intriga picturii lui Matisse a fost inspirată de dansurile populare pe care le-a văzut. O altă versiune – „Dansul” – a fost scrisă sub impresia picturii în vază grecească. Principalul mijloc de exprimare al pânzei este combinarea laconismului mijloacelor picturale cu dimensiunea sa enormă. „Dansul” este scris în doar trei culori. Albastrul reprezintă cerul, rozul reprezintă corpurile dansatorilor, iar verdele reprezintă dealul. Tabloul înfățișează un dans, un dans rotund de cinci oameni goi pe un deal.

Cubismul Picasso Cubismul este o mișcare artistică bazată pe structuri piramidale și corpuri geometrice. Cubismul a trecut prin mai multe etape ale dezvoltării sale: - cubismul analitic; -cubismul sintetic; Principalele figuri ale cubismului sunt Georges Braque și Pablo Picasso.

Georges Braque (1882 - 1963) „Vioara si paleta”, 1910. Georges Braque a fost un reprezentant al cubismului analitic. În 1908 a organizat o expoziție la Paris. Tehnica lui principală a fost suprapunerea unei imagini pe alta - versatilitatea imaginii. Descifrarea intenției autorului este foarte dificilă pentru telespectatori.

Pablo Picasso (1881 – 1973) Pictura lui Picasso „Les Demoiselles d’Avignon”, care a provocat o societate desfrânată, a provocat o adevărată indignare.

Natura moartă cu un scaun de paie, 1912 Tabloul aparține cubismului sintetic, folosind diverse obiecte din viața reală.

P. Picasso „Portretul lui Vollard”, 1910

Suprarealismul Suprarealismul este suprarealitate. A apărut oficial în 1924. În opera suprarealiştilor, fanteziile, visele, visele şi amintirile au căpătat o importanţă deosebită. Picturile suprarealiştilor combinau realitatea cu irealitatea. Principalele tehnici ale suprarealiştilor sunt grotescul, ironia, paradoxul. Reprezentanți: Max Ernst, Rene Magritte, Salvador Dali.

Max Ernst. „Oedip regele”, 1922.

Rene Magritte „Therapist”, 1937

Salvador Dali „Persistența memoriei”, 1931

Abstracționismul Abstracționismul este clasificat ca avangardă rusă. Principiul principal al artei abstracte este cunoașterea spațiului și abstracția a ceea ce este scris. Reprezentantul artei abstracte este Wassily Kandinsky (1866 – 1944).

Abstracţionism

V. Kandinsky „Compoziția 6”, 1913

V. Kandinsky. „Curba dominantă”, 1936

Suprematismul Suprematismul este cel mai înalt grad de artă. Fondatorul și, poate, singurul dintre figurile sale a fost Kazimir Malevich. Componentele principale ale suprematismului sunt culoarea și formele geometrice. Suprematismul este complex în înțelegerea sa și percepția sa depinde în întregime de imaginația unei persoane.

Suprematism de Malevich „Recoltarea secară”, 1912

„Piața Neagră”, 1913

„Femeia țărănică”, 1932

Întrebări și sarcini Împărțiți în grupuri. 1. Formulați principiile de bază ale direcției dumneavoastră. 2. Încercați să creați o piesă de pictură care să se potrivească genului dvs. 3. Pregătește un răspuns coerent despre intriga tabloului tău.


Publicații conexe