Presentazione dell'uomo nell'arte del XX secolo. La pittura del XX secolo - un nuovo linguaggio artistico - presentazione secondo la Cultura artistica di Mosca. Nuovo linguaggio dell'arte

Costruttivismo Uno degli stili è il costruttivismo, un metodo d'avanguardia sovietico nelle belle arti, nell'architettura, nella fotografia e nelle arti decorative e applicate, sviluppatosi nel 1920 e nella prima metà degli anni '30. Uno degli stili è il Costruttivismo, un metodo d’avanguardia sovietico nelle belle arti, nell’architettura, nella fotografia e nelle arti decorative e applicate, sviluppato nel 1920 e nella prima metà degli anni ’30.






Avant-garde Avant-garde (Avanguardia francese “distacco avanzato”) è un nome generale per i movimenti dell'arte europea sorti a cavallo tra il XIX e il XX secolo, espressi in forma polemica e combattiva. L'avanguardia è caratterizzata da un approccio sperimentale alla creatività artistica che va oltre l'estetica classica, utilizzando mezzi espressivi originali e innovativi, enfatizzati dal simbolismo delle immagini artistiche. Avant-garde (francese Avant-garde “distacco avanzato”) è un nome generale per i movimenti artistici europei sorti a cavallo tra il XIX e il XX secolo, espressi in forma polemica e combattiva. L'avanguardia è caratterizzata da un approccio sperimentale alla creatività artistica che va oltre l'estetica classica, utilizzando mezzi espressivi originali e innovativi, enfatizzati dal simbolismo delle immagini artistiche. Il concetto di avanguardia è in gran parte di natura eclettica. Questo termine denota una serie di scuole e movimenti artistici, a volte aventi una base ideologica diametralmente opposta. Il concetto di avanguardia è in gran parte di natura eclettica. Questo termine denota una serie di scuole e movimenti artistici, a volte aventi una base ideologica diametralmente opposta.


Prerequisiti I prerequisiti per l'emergere di movimenti d'avanguardia nell'arte e nella letteratura europea possono essere considerati una tendenza generale a ripensare i valori culturali paneuropei. L'ultimo terzo del XIX secolo fu caratterizzato dalla comparsa di nuove opere filosofiche che ripensavano gli aspetti morali e culturali della civiltà. I prerequisiti per l’emergere di movimenti d’avanguardia nell’arte e nella letteratura europea possono essere considerati una tendenza generale a ripensare i valori culturali paneuropei. L'ultimo terzo del XIX secolo fu caratterizzato dalla comparsa di nuove opere filosofiche che ripensavano gli aspetti morali e culturali della civiltà. Inoltre, lo sviluppo del progresso scientifico e tecnologico non ha fatto altro che spingere l'umanità a cambiare la percezione dei valori della civiltà, del posto dell'uomo nella natura e nella società, dei valori estetici e morali. Inoltre, lo sviluppo del progresso scientifico e tecnologico non ha fatto altro che spingere l'umanità a cambiare la percezione dei valori della civiltà, del posto dell'uomo nella natura e nella società, dei valori estetici e morali.




Musica russa La musica del XX secolo è una designazione generale per un gruppo di movimenti artistici della fine del XIX e dell'inizio. XX secolo, in particolare il Modernismo, che si fonda sul motto modernità e innovazione. Questi movimenti includono anche l'espressionismo, il costruttivismo, il neoclassicismo, nonché la dodecafonia, la musica elettronica, ecc. La musica del XX secolo nel suo insieme è un'immagine collettiva.La musica del XX secolo è una designazione generale per un gruppo di movimenti artistici della fine del XIX e dell'inizio. XX secolo, in particolare il Modernismo, che si fonda sul motto modernità e innovazione. Questi movimenti includono anche l'espressionismo, il costruttivismo, il neoclassicismo, nonché la dodecafonia, la musica elettronica, ecc. La musica del XX secolo nel suo insieme è un'immagine collettiva






Rappresentanti Un rappresentante di spicco del teatro moderno è il Teatro Lenkom. Questo teatro è noto a tutti oggi, dai moscoviti ai visitatori fino agli spettatori incalliti. È impossibile ignorare un teatro del genere, perché è un teatro di stelle. Un rappresentante di spicco del teatro moderno è il Teatro Lenkom. Questo teatro è noto a tutti oggi, dai moscoviti ai visitatori fino agli spettatori incalliti. È impossibile ignorare un teatro del genere, perché è un teatro di stelle.


Teatro del 20° secolo A Mosca sono comparsi nuovi teatri. Fu lì che Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass e molte altre future figure di spicco dell'arte sovietica fecero i loro primi passi. Nuovi teatri apparvero a Mosca. Fu lì che Sergei Eisenstein, Sergei Yutkevich, Sergei Gerasimov, Tamara Makarova, Boris Barnet, Vladimir Mass e molte altre future figure di spicco dell'arte sovietica mossero i loro primi passi sul palco.


Cinema Il cinema come forma d'arte si differenzia dalle altre per la sua natura sintetica. Sintetizza le proprietà estetiche della letteratura, del teatro, delle belle arti, della fotografia, della musica, delle conquiste dell'ottica, della meccanica, della chimica e della fisiologia. La popolarità del cinema risiede nella sua combinazione unica e varietà di mezzi espressivi. Il cinema, che ha avuto origine a cavallo tra il XIX e il XX secolo, è nato sotto l'influenza dei bisogni della società di comprenderne la storia, la vita e le attività e si è sviluppato in linea con la cultura del XX secolo, quindi i suoi stili e le sue direzioni corrispondono ai principali stili artistici del XX secolo. La cinematografia come forma d'arte differisce dalle altre per la sua natura sintetica. Sintetizza le proprietà estetiche della letteratura, del teatro, delle belle arti, della fotografia, della musica, delle conquiste dell'ottica, della meccanica, della chimica e della fisiologia. La popolarità del cinema risiede nella sua combinazione unica e varietà di mezzi espressivi. Il cinema, che ha avuto origine a cavallo tra il XIX e il XX secolo, è nato sotto l'influenza dei bisogni della società di comprenderne la storia, la vita e le attività e si è sviluppato in linea con la cultura del XX secolo, quindi i suoi stili e le sue direzioni corrispondono ai principali stili artistici del XX secolo.


Rappresentanti di spicco Nei primi decenni dopo la sua nascita, il cinema come forma d'arte stava solo guadagnando popolarità. Negli anni '20 il cinema divenne non solo una forma d'arte popolare e alla moda, ma anche un'industria cinematografica: si formarono molti studi cinematografici e una rete di distribuzione cinematografica. In questo periodo furono creati i capolavori del primo cinema ancora muto: "La corazzata Potemkin" di S. Eisenstein, "The Big Parade" di K. Vidor con C. Chaplin, "Greed" di E. Stroheim. Il lavoro dei registi D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev ha preso forma proprio in questo periodo.Il terzo decennio del XX secolo è incluso nella storia del cinema come l'inizio dell'era del cinema sonoro, che lo rende ancora più diffuso. Gli Stati Uniti occupano una posizione dominante nell’industria cinematografica globale. Gli adattamenti cinematografici commerciali dei musical di Broadway erano molto popolari durante questo periodo. Ma nascono anche vere e proprie opere d'arte: “Modern Times” di C. Chaplin, “The Grapes of Wrath” di J. Ford, “Our Daily Bread” di K. Vidor. In URSS sono usciti sugli schermi i capolavori del cinema nazionale “Merry Fellows”, “Volga-Volga” e “Circus” di G. Alexandrov, “Chapaev” dei fratelli Vasilyev, ecc.. Nei primi decenni dopo la sua comparsa, il cinema come forma d'arte ha solo guadagnato popolarità. Negli anni '20 il cinema divenne non solo una forma d'arte popolare e alla moda, ma anche un'industria cinematografica: si formarono molti studi cinematografici e una rete di distribuzione cinematografica. In questo periodo furono creati i capolavori del primo cinema ancora muto: "La corazzata Potemkin" di S. Eisenstein, "The Big Parade" di K. Vidor con C. Chaplin, "Greed" di E. Stroheim. Il lavoro dei registi D. Vertov, Y. Protazanov, L. Trauberg, V. Pudovkin, G. Kozintsev ha preso forma proprio in questo periodo.Il terzo decennio del XX secolo è incluso nella storia del cinema come l'inizio dell'era del cinema sonoro, che lo rende ancora più diffuso. Gli Stati Uniti occupano una posizione dominante nell’industria cinematografica globale. Gli adattamenti cinematografici commerciali dei musical di Broadway erano molto popolari durante questo periodo. Ma nascono anche vere e proprie opere d'arte: “Modern Times” di C. Chaplin, “The Grapes of Wrath” di J. Ford, “Our Daily Bread” di K. Vidor. In URSS, sugli schermi escono capolavori del cinema domestico "Jolly Fellows", "Volga-Volga" e "Circus" di G. Alexandrov, "Chapaev" dei fratelli Vasiliev, ecc.

Sezioni: MHC e ISO

Classe: 11

Tipo di lezione: combinato

Formato della lezione: lezione: migliorare la conoscenza, formare una nuova visione problematica.

Obiettivi:

  • Formazione della sensibilità estetica alle idee sulle tradizioni storiche e sui valori della cultura artistica nella pittura russa e straniera a cavallo tra il XIX e il XX secolo.
  • Sviluppo e formazione del concetto di “dialogo tra lo spettatore e l'artista” basato sulle opere di V. Kandinsky.
  • Educazione della sfera emotiva degli studenti.
  • Rivelare e riassumere le principali direzioni dei movimenti artistici nella pittura a cavallo tra il XIX e il XX secolo;
  • Formare un quadro artistico olistico e sfaccettato dell'epoca, pieno di varie caratteristiche individuali;

Attrezzatura: computer, proiettore, scheda dimostrativa.

Campo visivo: eh pygraph alla lavagna, presentazione - presentazione sull'argomento della lezione.

Presentazione: O. Renoir “Swing”, Paul Gauguin ““Visione dopo il sermone, o la lotta di Giacobbe con l'angelo”, E. Munch “L'urlo”, V. Borisov - Musatov “Stagno”, A. Matisse “Stanza rossa” , S. Dalì “ Cigni raffigurati in elefanti”, P. Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”, V. Kandinsky “Mucca”, “Tabelle di combinazioni di colori”

Piano della lezione:

I. Momento organizzativo. Riportare l'argomento e gli obiettivi della lezione.

II. Parte principale. Ripetizione, classificazione, generalizzazione del materiale trattato.

III. Acquisire nuove conoscenze basate sull'analisi del materiale trattato, conoscere il movimento del "Cubismo", "Arte astratta".

IV. Riassumendo la lezione, compiti a casa.

Durante le lezioni

Voglio iniziare la lezione con le parole dell'artista Henri Matisse: “Creare significa esprimere ciò che è in te.”

IO. Oggi il nostro compito sarà quello di creare un ritratto specifico di un'epoca nella storia della pittura, a cavallo tra il XIX e il XX secolo, un'era piena di ricerche creative, esperimenti che hanno cambiato completamente le idee sulla pittura e il ruolo dell'artista in essa . In quest'epoca, in cui nasce una nuova direzione d'avanguardia nell'arte, che, sfortunatamente, non è ancora pienamente compresa da molti, e non è meritata, provoca la negazione. All'inizio della lezione decideremo la gamma di domande a cui dobbiamo ottenere risposta durante la lezione.

Metto queste domande davanti a te su fogli di carta in modo che durante la lezione tu possa sempre vederle e determinare le tue risposte.

1. Quale movimento artistico può essere considerato l'inizio dell'avanguardia?

2. Con quale movimento artistico inizia lo sfondamento attraverso la realtà visiva nel mondo di una nuova realtà?

3.Come cambia il soggetto dell’artista e perché?

4.Perché il termine “raffigurare” cambia nel termine “esprimere”?

II. Innanzitutto, definiamo come intendi il termine “avanguardia”, “avanguardia”.

Avanguardia, avanguardia è un nome generale per i movimenti nel mondo sorti a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Sono caratterizzati da novità, coraggio e una direzione sperimentale nell'arte.

Esaminiamo ora la mostra d'arte, dove ogni opera è selezionata in modo tale da costituire una pietra miliare nella direzione dell'avanguardia.

1. Il primo dipinto dell'artista francese O. Renoir. Conosciamo il lavoro di questo artista e questa direzione nell'arte. Cosa puoi ricordare?

Impressionismo. Dipinto “Altalena”.

Ah, ora, vorrei che valutassi questo lavoro in modo leggermente diverso. Immagina cosa cambierebbe nella tecnica di scrittura dell'artista se un artista scrivesse su un argomento del genere in modo classico?

Gli abiti dell'uomo e della donna sarebbero dipinti con fiori senza macchie, l'erba e le foglie sarebbero dipinte con più attenzione. La particolarità della scrittura impressionista è quella di rappresentare il mondo reale attraverso il gioco di luci e ombre, scomponendo il colore in spettri.

Ciò dà l'impressione che il lavoro venga svolto “in fretta”, senza un'elaborazione dettagliata. Ecco come lo stile di scrittura classico differisce da quello degli impressionisti.

Possiamo solo aggiungere che la decisione degli impressionisti di dipingere come vedo io, e non come è consuetudine, diventa il punto di partenza dell'allontanamento dal realismo e dal principio della trama nella pittura. E se guardiamo ora alla prima domanda posta all'inizio della lezione, allora la risposta è già chiara.

L'inizio del movimento d'avanguardia è l'impressionismo. Un movimento in cui la natura è raffigurata come la vede l’occhio, e si osserva già la superiorità della visione dell’autore rispetto all’accuratezza della riproduzione del mondo visibile. Questo è il primo piccolo passo in una nuova direzione, questo è il suo inizio.

2. Paul Gauguin “Visione dopo il sermone, o la lotta di Giacobbe con l'Angelo”.

Decidiamo la direzione artistica di questo dipinto.

Paul Gauguin è considerato un artista postimpressionista.

I postimpressionisti vanno oltre. Respingono l'affermazione secondo cui esiste solo ciò che l'occhio vede in un dato momento. Paul Gauguin sta lavorando attivamente su come comprendere le leggi con cui vengono create le sensazioni umane. In altre parole, per trovare quel confine tra realtà e irrealtà, ad esempio, l'immagine di una persona e dei suoi sentimenti. E questo è il mondo invisibile, il mondo irreale. Questo è chiaramente visibile nella foto. Ha mostrato il confine tra la realtà (i parrocchiani bretoni) e la loro visione (Giacomo e l'Angelo).

Passiamo alle nostre domande. La risposta alla seconda domanda è stata appena data. Il movimento artistico del postimpressionismo unisce il reale e il fantastico, e già mostra una svolta nel “mondo della nuova realtà””.

3. E. Munch “L'Urlo”. Questa immagine ci è già familiare. Conosciamo anche la sua direzione.

Espressionismo, che significa espressione.

Se espressione, allora cosa esprime esattamente l'artista nell'espressionismo?

Emozioni umane, in questo caso negative: paura, dolore, umiliazione, disperazione.

Le emozioni umane sono il mondo reale o il mondo invisibile all'occhio umano? Le emozioni umane, la loro varietà, forza possono apparirci come una sorta di realtà? Dopotutto, tutta la nostra lezione si basa sulla comprensione della realtà e dell'irrealtà.

Come realtà, probabilmente no.

A questo scopo iniziarono ad essere utilizzate nuove tecniche basate sulla deformazione della forma. Questa tecnica è stata utilizzata da E. Munch quando voleva trasmettere sulla tela i sentimenti di una persona mortalmente spaventata. In che mondo l'espressionismo diventa spettacolo?

L'espressionismo è un mondo “invisibile”, dove la cosa principale sono le emozioni umane.

Come spieghi il termine “espressione” in relazione all’espressionismo?

Probabilmente le emozioni umane possono solo essere espresse, non rappresentate.

Perché iniziano a prestare attenzione a un fenomeno così complesso come le emozioni?

Probabilmente si interessano al mondo interiore di una persona.

Il luogo di nascita dell'espressionismo, se ricordi, fu la Germania all'inizio del XX secolo. L’esuberante fiorire della tecnologia e dell’industria sullo sfondo del degrado delle basi culturali. La soppressione della personalità dell'uomo non è mai stata così piccola come allora, il desiderio dell'anima, il suo grido di aiuto: queste sono le principali dominanti emotive dell'espressionismo.

3. V. Borisov - Musatov “Serbatoio”.

Il movimento del simbolismo, le sue caratteristiche: gli artisti mettono in secondo piano l'immagine della natura, la cosa principale per loro è la loro idea del mondo delle loro fantasie, del loro mondo invisibile. Viene introdotto il concetto di “simbolo” come rappresentativo della nuova realtà. La nuova realtà è solo una rappresentazione, una fantasia, quindi può cambiare, può solo ricordare un oggetto reale. E il simbolo non deve necessariamente essere simile a un oggetto del mondo reale. Potrebbe essere condizionatamente simile e, di conseguenza, raffigurato in modo condizionale.

Conclusione: l'idea del contatto di due mondi: il visibile e la nuova realtà, dove la nuova realtà è un simbolo del mondo visibile.

4. A. Matisse “Stanza Rossa”.

Il dipinto dell'artista francese Henri Matisse, “La stanza rossa”, è insolito a prima vista. Proviamo a comprenderne le caratteristiche. Combinazione di colori insolita, immagine piatta. In che direzione pensi che sia stato scritto?

Fauvismo. (selvaggio). È caratterizzato da un colore aperto e mancanza di volume. Gli artisti hanno continuato gli esperimenti con il colore, il volume e la rappresentazione convenzionale di un oggetto sul piano pittorico; hanno abbandonato la riproduzione illusoria dello spazio tridimensionale, concentrandosi sulle proprietà decorative della superficie pittorica.

Tutto ciò che è stato detto è corretto. Resta da aggiungere poco che il termine “fauvismo” appare grazie al critico Louis Vauxcelles.

5. P. Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”.

Quale movimento d'avanguardia rappresenta?

Ricorda le parole di P. Cezanne: “Tutto in natura è modellato a forma di palla, cono e cilindro. Dobbiamo imparare a scrivere su queste semplici cifre. Se impari a padroneggiare queste forme, farai quello che vuoi” (MHC, 11a elementare, autore L. Rapatskaya, p. 110). Ma P. Cézanne voleva dire che queste forme fondamentali devono essere tenute presenti come principio organizzatore del quadro. Tuttavia, Picasso e i suoi amici presero il consiglio alla lettera. L’apparizione del nome di questo movimento è associata al critico d’arte Louis Vaucelle, che definì i nuovi dipinti di Braque “stranezze cubiche”.

Pertanto, ovviamente, abbiamo tutti capito di quale corrente stiamo parlando adesso.

Cosa si può dire del cubismo, delle sue caratteristiche di scrittura?

Si basa su esperimenti con la costruzione di oggetti tridimensionali su un piano. Costruzione di una nuova forma artistica come risultato dell'analisi geometrica del soggetto e dello spazio Conclusione studenti e insegnante: esperimenti con la forma.

6. S. Dalì "Cigni raffigurati in elefanti". Parliamo di questo dipinto basandoci su ciò che sappiamo del surrealismo. Il dipinto è chiaro grazie alla sua tecnica di scrittura. L'autore è Salvador Dalì, il movimento è il surrealismo.

Surrealismo. Super realismo, in cui la fonte di ispirazione è nel subconscio umano, basato sulla teoria di S. Freud. Un rappresentante di spicco è S. Dalì. Significato irrazionale. Ogni natura (cigni, elefanti, alberi) nella foto è completamente reale. Ma la loro vita insieme su tela è una totale assurdità.

Dove siamo arrivati? Nel mondo delle illusioni rappresentato, nell’universo dell’artista, che ci ha mostrato.

III. Insegnante: Sulla base di diverse opere d'arte, abbiamo tracciato la logica dello sviluppo delle avanguardie, partendo dall'impressionismo al surrealismo. La svolta tra il XIX e il XX secolo fu un periodo di straordinarie scoperte nel campo dell'arte, un periodo di esperimenti eccezionali, un momento di nuova comprensione dell'artista come individuo nella pittura. Vorrei sottolineare in particolare che questo sviluppo non è stato lineare. Ogni artista ha scelto ciò che era più accettabile per lui. Dopotutto, gli artisti non sono più raffigurati su tela, hanno espresso le loro idee, pensieri, fantasie, il tuo Universo. La scelta della direzione dipendeva interamente dall'idea che aveva in mente. Quando a P. Picasso è stato chiesto in quale direzione avrebbe dipinto il quadro successivo, ha risposto approssimativamente: “In quello che esprime meglio la mia idea”. Il dipinto ha smesso di rappresentare, il dipinto ha iniziato a esprimere l’idea dell’artista. L'artista diventa gradualmente un creatore e la creazione di un quadro è un atto di creazione. Il mondo visibile, precedentemente rappresentato dai pittori dei secoli passati, non era più fonte di ispirazione. Gli artisti hanno cominciato a ispirarsi al mondo “altro”, che non vediamo, ma che vive sempre integralmente accanto a noi. Il mondo dei nostri sentimenti, esperienze, fantasie. Se si pensa a quanto si amplia il mondo delle immagini che un pittore può trasferire su tela. Dopotutto, ciò che un artista crea è limitato solo dalla sua immaginazione personale. Pertanto, il ruolo dell'artista cambia, non è più un copista del mondo “che Dio Onnipotente ha creato”, è il creatore stesso, il creatore dei suoi universi. Malevich disse: “Io sono l’inizio di tutto, perché i mondi sono creati nella mia coscienza”. Il mondo che Dio ha creato non è interessante per loro, inoltre, loro stessi si sentono Dei, creatori. E se questi sono mondi creati dagli stessi creatori - artisti, allora le leggi dell'universo saranno solo quelle che l'artista stesso inventa. Ma qui sorgono molte difficoltà, prima di tutto, nel comprendere l'idea del mondo che l'artista ha creato. Ciò respinge in misura maggiore gli spettatori degli artisti d'avanguardia, abituati a vedere una certa trama letteraria in ogni immagine. Penetrare un'idea e comprenderne l'espressione in un dipinto è un compito difficile ma interessante. Vorrei citare un'affermazione: “Il quadro dovrebbe essere complesso. Quando la guardi, tu stesso diventi più complesso. Quando sali una scala, non è la scala che ti solleva, ma lo sforzo che fai”. Naturalmente, è necessario compiere sforzi emotivi e intellettuali per rendere il quadro chiaro. Ma c’è anche un buon interesse per questo!

Ma ragioniamo oltre. Quelle immagini nei dipinti dell'artista, ad esempio, Salvador Dalì, che ci mostra, saranno realtà? Come avrebbe potuto crearli lui stesso? Ha dipinto il quadro, trasmettendo allo spettatore il suo mondo invisibile di fantasia? Dopotutto, l'immagine che l'artista crea inizialmente nel mondo delle sue fantasie, le vede lui stesso, come attraverso una pupilla verso l'interno. E cosa vediamo nel suo quadro dipinto? La realtà o la sua copia?

Una copia, appunto, una copia!

queste saranno solo copie, seppure fantasie dei loro mondi, ma pur sempre copie. Ma se l'artista è un creatore, come intendono se stessi gli artisti d'avanguardia, e il mondo che crea dovrebbe essere solo reale, non una copia. Ma cosa può davvero creare un artista stesso? Proviamo a capirlo usando un esempio.

Dipinto di M. Saryan “Natura morta”.

Cosa viene mostrato qui?

Uva, banane, pere.

Se queste sono uva, banane, pere, assaggiamole.

I bambini giungono alla conclusione che ciò non può essere fatto, perché... Questa è solo una foto di frutta.

Ciò significa che vediamo solo un'immagine, ovvero una copia di oggetti reali. Ma questo non concorda con le idee degli artisti d’avanguardia riguardo al loro ruolo di creatori.

Se l'immagine è una copia, allora cosa c'è di reale qui? Guarda cosa ho tra le mani? (riproduzione incorniciata). I bambini devono giungere da soli alla conclusione che:

Ciò che è reale è ciò che ho tra le mani, una tela, e su di essa ci sono dei colori..., cioè l'immagine stessa, che può essere tenuta in mano, può essere sentita come un oggetto reale. La vera realtà non è nella rappresentazione della frutta nella foto, ma nella foto stessa.

Cos'altro c'è di reale nella foto? Oltre alla tela, cos’altro vediamo?

I bambini devono giungere ad una conclusione

Dipinti che attualmente raffigurano frutti.

Sta emergendo una nuova logica dell’avanguardia: “Se solo i colori in un dipinto sono reali, allora è necessario rappresentare la vita di questi colori sulla tela!”

Qual è dunque la conclusione?

L'immagine nella pittura cominciò a essere concettualizzata come una cosa materiale in un ambiente reale. Solo i colori sono materiali, quindi ciò che verrà raffigurato su una cosa materiale (pittura) non è così importante (solo i colori sono importanti), quindi gli artisti si rifiutano di raffigurare altro che i colori su tela. Come possiamo comprendere l’idea dell’artista? Dopotutto, l'idea viene sempre prima, e poi tutto il resto... E ancora una volta viene proposta un'importante intesa: un dialogo tra lo spettatore e l'artista. Ricordiamo le parole: Quando sali le scale, non sono le scale che ti sollevano, ma lo sforzo che fai”. Dopotutto, la scala è il nostro livello intellettuale, che non può essere ampliato senza sforzo. Pensaci. Le opere delle avanguardie non sono facili da comprendere, ma è questo che ci attrae.

Il dipinto cessa di rappresentare qualsiasi realtà; esso stesso è diventato questa realtà. Ecco perché vediamo la cornice, la tela, i colori. "Vedi quello che vedi" - L'immagine è come la realtà.

Ora diamo un'occhiata alla definizione di astrattismo sullo schermo:

L'astrattismo (dal latino abstractio - rimozione, distrazione) è una direzione dell'arte non figurativa che ha abbandonato la rappresentazione di forme vicine alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'arte astratta è raggiungere l'"armonizzazione", creando determinate combinazioni di colori e forme geometriche per evocare varie associazioni nello spettatore, sebbene alcuni dipinti sembrino un semplice punto al centro della tela. Fondatori: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova, Mikhail Larionov.

Sullo schermo c'è un dipinto di V. Kandinsky “Mucca”.

Lavoro pratico “dialogo tra lo spettatore e l’artista”. La tabella 1 è distribuita con un dizionario simbolico e psicologico, basato sull'opera “Sull'arte spirituale” di V. Kandinsky

(L'immagine provoca sconcerto e sorpresa nella sua incomprensibilità).

Ora dovremo affrontare noi stessi le seguenti domande: “su cosa?” e “come?”

Ma prima, qualcosa sulla biografia dell’artista.

Vasily Vasilyevich Kandinsky (4 dicembre (16), 1866, Mosca - 13 dicembre 1944, Francia) - un eccezionale pittore, grafico e teorico delle belle arti russo, uno dei fondatori dell'arte astratta. È stato uno dei fondatori del gruppo Blue Rider e un insegnante del Bauhaus.

Nato a Mosca, ricevette la sua educazione musicale e artistica principale a Odessa, quando la famiglia vi si trasferì nel 1871. I genitori intendevano che il figlio diventasse un avvocato; Vasily Vasilyevich si è laureato brillantemente presso la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università Statale di Mosca. A 30 anni decide di diventare artista; ciò avvenne sotto l'influenza della mostra impressionista a Mosca nel 1895 e del dipinto “Haystacks” di Claude Monet. Nel 1896 si trasferì a Monaco, dove conobbe gli espressionisti tedeschi. Dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, tornò a Mosca, ma, in disaccordo con l'atteggiamento nei confronti dell'arte nella Russia sovietica, nel 1921 partì nuovamente per la Germania. Negli ultimi anni vive in Francia, nella periferia di Parigi.

Una delle domande importanti che preoccupava l'artista: "Con cosa sostituire l'oggetto?" Il mondo oggettivo nelle opere dell’artista è ancora, in una certa misura, preservato. C'è sempre anche una certa trama trasversale, un piccolo sottotesto che deve essere trovato. Ma la cosa principale nelle opere dell’artista sono i suoi elementi fondamentali, che eccitano, nelle parole dell’artista, “vibrazioni dell’anima”. Questo è: una sintesi di pittura, colore, forme costruite secondo le leggi della composizione, dove ha chiamato oggettività (una persona, una nuvola, un albero) il vero sapore della composizione.

Proviamo ad applicare le nostre chiavi - suggerimenti, prima al dipinto, dove è ancora conservato l'elemento visivo "Mucca" Lavoro pratico "Dialogo tra lo spettatore e l'artista" "La Mucca è considerata insieme".

I risultati sono alla fine.

Conclusione: dobbiamo riassumere il nostro lavoro e rispondere alla domanda della lezione: "Quali ricerche creative caratterizzano la pittura a cavallo tra il XIX e il XX secolo?" Dove sono iniziate queste ricerche creative?

Il movimento d'avanguardia nell'arte inizia con l'impressionismo.

Post-impressionismo, simbolismo: un movimento verso l'inizio della comprensione del mondo invisibile da parte degli artisti.

Gli artisti iniziano ad interessarsi al mondo delle emozioni e delle fantasie umane; creano ed esprimono su tela i propri mondi di nuova realtà. Appaiono dipinti astratti. Un esempio lampante di pittura astratta è considerato il dipinto di V. Kandinsky.

Lavoro pratico con l'opera “Mucca” di V. Kandinsky

All'inizio è stato detto che tutte le teorie della tua visione sono accettate, non essere timido e non aver paura di dire cosa è sbagliato. I dipinti di V. Kandinsky hanno tante interpretazioni quanti sono gli spettatori. Pertanto, dovremmo assolutamente provarlo anche noi.

“Mucca".

  • - Bianco - Silenzio, silenzio, inizio. Ma qui non è bianco puro, è bianco e rosa. Il colore è caratterizzato come l'inizio di una nuova forza, energia (connessione con il rosso).
  • Ma ci sono anche punti rossi e arancioni, il che sottolinea ulteriormente il primo ragionamento.
  • Giallo - colore arancione - persona terrena, umana, attiva, sana (ragazza).
  • Sopra è blu scuro. Causa molte controversie nell'interpretazione. Giungono alla conclusione sulle emozioni umane: la tristezza ("la ragazza è triste. La striscia è giallo-arancione, il che significa che la tristezza passerà presto). C'è molta tristezza e malinconia nella vita.
  • Verde - pace, con l'aggiunta del giallo - la tristezza è sostituita dalla gioia della giovinezza, l'energia della vita futura
  • Il colore bianco degli abiti è simbolo dell'inizio, piuttosto di una nuova vita.
  • Il colore nero è la morte, dopo di che verrà la vita (ragazza vestita di bianco).

In lontananza si vedono muri bianchi di edifici che sembrano templi (piccole cupole) o monasteri. La combinazione di nero, blu e bianco è come la sottomissione a un'unica legge: morte e rinascita. Il colore bianco è un simbolo di purezza e infinito.

Queste immagini sembrano uscire dalla mucca. La mucca è la fonte della legge della vita e della rinascita.

Alla fine del lavoro, per confronto, ho letto l'interpretazione del dipinto presa sulla rivista “Art” n. 1, 2010. I ragazzi erano contenti del loro lavoro.

Musica dell'immagine. Colore bianco: non ci sono ancora suoni, ma l'orchestra è pronta... La tuba ha cominciato a suonare piano, con un ritmo crescente di tamburo. Entrano violoncello e contrabbasso. Il flauto suona lentamente e tristemente, seguito dal violino. Una breve pausa, come un respiro profondo. La melodia si ripete con lievi variazioni, perché “non si può entrare nel fiume due volte”...

“IL LINGUAGGIO DEL COLORE” V. Kandinsky

Il principio centrale del concetto di Kandinsky può essere considerato l’affermazione su due fattori che determinano l’effetto psicologico del colore: “caldo-freddo” e “luce-buio”. Di conseguenza, nascono diversi possibili “suoni” delle vernici.
1. Atteggiamento - giallo - blu. Il giallo “si muove” verso lo spettatore e il blu si allontana da lui. Giallo, rosso arancio: idee di gioia, celebrazione, ricchezza. Se aggiungi il blu al giallo (rendilo più fresco, perché il blu è un colore freddo), la vernice diventerà verdastra. È nato sensazione dolorosa di aumento della sensibilità(come una persona irritata che subisce interferenze). La vernice gialla intensa disturba una persona, punge e colpisce l'anima. Se sei giallo freddo, ti colpisce fino al punto di un attacco di brillante follia. L'artista paragona questo colore alla folle stravaganza dei colori dello scorso autunno. Il giallo è un colore terroso, non ha profondità.

2. Blu. “Vernice celeste” - chiamata all'infinito. Movimento dalla persona al centro. Blu profondo: pace, abbassata fino al nero: tristezza. Azzurro – indifferenza, indifferenza.

Verde – in esso sono paralizzati i colori giallo e azzurro – pace: né gioia né tristezza, passivo. Se aggiunto al verde giallo, il verde sta diventando più giovane , Più divertimento. E, al contrario, insieme al blu: serietà, premurosità. Quando schiarito (aggiungendo bianco) o scurito (nero), il verde “mantiene il suo carattere elementare di indifferenza e calma” (p. 48). Il bianco esalta l'aspetto di "indifferenza" e il nero - "pace".

Bianco per Kandinsky è il simbolo di un mondo dove tutti i colori, tutte le proprietà materiali e le sostanze sono scomparse. Questo mondo è così in alto al di sopra dell'uomo che da lì non proviene un solo suono. Il bianco è un grande silenzio, un muro freddo e senza fine, una pausa musicale, un completamento temporaneo ma non definitivo. Questo silenzio non è morto, ma è pieno di possibilità e può essere inteso come il “nulla” che precede l'inizio e la nascita.

Nero- “niente” senza possibilità, niente morto, silenzio eterno senza futuro, pausa e sviluppo completi. Questo è seguito dalla nascita di un nuovo mondo. Il nero è la fine, un fuoco spento, qualcosa di immobile, come un cadavere, il silenzio del corpo dopo la morte, la vernice più silenziosa.

Le vesti bianche esprimono gioia pura e purezza immacolata, mentre le vesti nere esprimono la tristezza e la morte più grandi e profonde. Il bianco e il nero trovano (come il giallo e il blu) equilibrio tra loro in grigio. È anche una pittura silenziosa e immobile. Kandinskij chiama il grigio” immobilità inconsolabile" Soprattutto riguarda grigio scuro, che agisce in modo ancora più inconsolabile e soffocante.

Rosso. Colore vivo, vitale, inquieto. Esprime maturità maschile, forza, energia, determinazione, trionfo, gioia (soprattutto rosso chiaro)

Il cinabro è una passione uniformemente fiammeggiante, una forza sicura di sé che “brucia” dentro di sé. Un colore particolarmente amato dalle persone. L'approfondimento del rosso porta ad una diminuzione della sua attività. Ma rimane un bagliore interno, una premonizione di attività future.

Viola. Un suono doloroso, qualcosa di spento e triste, ed è associato al suono del fagotto e del flauto

Arancia - la serietà del rosso.

E V. Kandinsky ha paragonato il colore al suono degli strumenti musicali. Il giallo è il suono di una tromba, l'azzurro è un flauto, il blu scuro è un violoncello, l'azzurro profondo è un organo, il verde è il tono medio di un violino; rosso – fanfara; Violet – fagotto e pipa;

MHC, 11° grado

Lezione n.28

Architettura

XX secolo

DZ: Capitolo 25, ?? (p.319-320), TV. compiti (p. 320-322)

© ed. A.I. Kolmakov


Lezione n. 26

Parte 1

OBIETTIVI DELLA LEZIONE

  • Promuovere la consapevolezza degli studenti sul ruolo dell'architettura del Novecento nella cultura mondiale;
  • Sviluppa abilità studiare in modo indipendente il materiale e prepararlo per la presentazione; continuare a sviluppare la capacità di analizzare le opere di architettura;
  • Menzionare la cultura della percezione dei capolavori dell'architettura del Novecento.

CONCETTI, IDEE

  • Costruttivismo;
  • modulatore;
  • SE Le Corbusier;
  • VE Tatlin;
  • "stile mondiale";
  • costruttivismo in URSS;
  • monumento “Torre della Terza Internazionale”;
  • "architettura organica";
  • FL Wright;
  • O. Niemeyer;
  • "città ideale"

Attività di apprendimento universale

  • caratterizzare le caratteristiche correlare valutare valore e contributo descrivere e analizzare esplorare il problema della novità girare un reportage video
  • caratterizzare le caratteristiche sviluppo dell’architettura mondiale del XX secolo. (usando l'esempio dei capolavori architettonici);
  • correlare un'opera di architettura con una specifica epoca storica, stile, scuola nazionale;
  • valutare valore e contributo singoli architetti nella storia dello sviluppo dell'arte mondiale;
  • commentare punti di vista scientifici e valutazione della creatività dei singoli autori;
  • descrivere e analizzare monumenti dell'architettura mondiale e domestica in unità di forma e contenuto;
  • sviluppare un progetto creativo individuale una struttura architettonica nello stile di uno degli architetti del XX secolo;
  • effettuare analisi comparative i migliori esempi di costruttivismo architettonico nelle opere di S. E. Le Corbusier e V. E. Tatlin;
  • esplorare l'influenza del metodo creativo A. Gaudi sull'architettura di F. L. Wright (come parte di un progetto creativo individuale);
  • esplorare il problema della novità soluzioni architettoniche di O. Niemeyer e rifiuto delle tradizioni classiche;
  • girare un reportage video sui monumenti architettonici moderni della tua città

IMPARARE NUOVO MATERIALE

Assegnazione della lezione. Che significato ha il lavoro dei rappresentanti dell'architettura del XX secolo per la civiltà e la cultura mondiale?


sotto-domande

  • Costruttivismo di S. E. Le Corbusier e V. E. Tatlin. Nuove idee e principi dell'architettura del XX secolo. S. E. Le Corbusier come creatore dello “stile mondiale” nell’architettura del XX secolo. Cerca forme semplici e sistemi di proporzioni. Principi artistici di S. E. Le Corbusier (basati sull'esempio di edifici famosi). Sviluppo del costruttivismo in URSS. V. E. Tatlin come fondatore del costruttivismo e del design sovietico. Idee artistiche di V. E. Tatlin e la loro vera incarnazione. Il modello del monumento “Torre della Terza Internazionale” è la creazione principale dell'architetto.
  • "Architettura organica" di FL Wright. Riconoscimento mondiale del metodo creativo di F. L. Wright (utilizzando l'esempio della Villa Kaufman). Originalità e novità delle soluzioni architettoniche delle opere.
  • O. Niemeyer: un architetto abituato a sorprendere. Unicità di stile e “poesia della forma”. Il sogno di una “città ideale” e la sua reale realizzazione (usando l'esempio della città di Brasilia). La ricerca dell'identità nazionale dell'architettura moderna

Le principali direzioni nell'architettura del primo Novecento:

  • Moderno
  • Costruttivismo
  • Biologico
  • Postmodernismo
  • Decostruttivismo

All'inizio XX secoli furono sostituiti da disegni chiari .

Nell'architettura degli anni '20 -'30. assunse una posizione dominante Costruttivismo (semplicità, utilitarismo ed economia) versione originale del movimento paneuropeo funzionalismo , chiamato lo stile internazionale.

Funzionalismo (in Unione Sovietica - Costruttivismo ) - una direzione che impone il rigoroso rispetto degli edifici e delle strutture.


COSTRUTTIVISMO (construo - build) - una direzione nata negli anni Venti del XX secolo.

Costruttivismo - Metodo dell'avanguardia sovietica (direzione).

Costruttivismo – applicazione dei principi geometrici in tutti gli ambiti della vita (architettura, arredamento, abbigliamento).

Bersaglio - assetto della vita moderna, trasformazione della vita sociale.

Idee e principi:

- l'architettura dovrebbe essere leggera e dare la sensazione di fluttuare;

L'architettura deve sottomettere gli enormi flussi di luce all'interno dell'edificio e imparare a giocare con gli effetti luminosi provenienti dall'esterno;

Grazie ai nuovi materiali e alle tecnologie, l’architettura deve imparare a operare con spazi integrali di enormi dimensioni.

Nell'architettura del Novecento. nuova tecnica

opportunità e creatività artistica.

Club intitolato a Zuev, Mosca

Club dal nome Rusakova


Oggetti principali – strutture funzionali di nuova tipologia:

stazioni ferroviarie, fabbriche, stabilimenti, ponti, edifici pubblici ed edifici residenziali.

edificio Mosselprom, Mosca

Gli architetti hanno cercato di creare un'atmosfera confortevole con forme costruttive semplici e chiare.

Per l'espressività usiamo: asimmetria, opposizione dei piani orizzontali e verticali, combinazione di edifici con paesaggio.

In architettura vengono create le forme dei favi, delle spighe, delle conchiglie, delle pannocchie di mais, ecc.


Teatro dell'Opera di Sydney. Australia

Principi della nuova architettura:

  • leggerezza e sensazione di galleggiamento;
  • molta luce all'interno dell'edificio;
  • spazio enorme.

Le finestre iniziarono spesso a sostituire i muri e gli interni furono liberati dagli eccessi e dal sovraccarico di dettagli.

I telai in acciaio con strutture verticali, pieni di ascensori ad alta velocità e altre attrezzature, furono chiaramente lanciati sfida ai classici .

Caratteristiche caratteristiche del costruttivismo - rigore, geometrizzazione, forme laconiche e aspetto monolitico.


– creatore dei primi grattacieli , divenuti il ​​simbolo della moderna città americana. Ha formulato i principi della costruzione di grattacieli, che gli architetti usano ancora oggi.

LOUIS

SULLIVAN

(1856-1924)

Il primo grattacielo a St. Louis dell'architetto di Chicago Louis Sullivan ha creato una vera rivoluzione nell'architettura.

grattacieli di Chicago. Stati Uniti d'America

"...La casa di una persona dovrebbe assomigliare a una "casa delle api", quindi dovrebbero essere erette "alveari per le persone" - strutture uniformi e standard dove una persona si sentirà parte di una gigantesca biosfera urbana."


Chicago. Grattacieli.

Louis Sullivan formulò i principi della costruzione dei grattacieli: Primo - ha bisogno un grattacielo piano interrato, che ospiterà locali caldaie, centrali elettriche e altri dispositivi che forniscono energia e calore all'edificio. Secondo - il primo piano dovrebbe essere destinato a banche e negozi e altri locali che necessitano di ampi spazi, molta luce, finestre luminose e un facile accesso dalla strada. Terzo - il secondo piano non dovrebbe avere meno luce e spazio del primo.

Il quarto - tra il secondo piano e l'ultimo dovrebbe esserci innumerevoli spazi per uffici , non diversi tra loro nel layout. Quinto - piano più alto , così come sotterraneo, deve essere tecnico . I sistemi di ventilazione si trovano qui.


Eccezionale architetto costruttivista francese XX V., creatore dello “stile mondo”.

Per la prima volta ho iniziato ad utilizzare nei miei edifici moduli prefabbricati in cemento armato

LE CORBUSIER

Le Corbusier. Villa Savoia. 1927-31 Poissy

Ha cercato le basi per una “nuova architettura” in puramente forme geometriche, linee ad angolo retto, in perfette combinazioni di verticale e orizzontale, in colore bianco assoluto .


La famosa villa si distingue per la squisita perfezione delle forme e la chiarezza delle proporzioni. Terrazze situate a diversi livelli, ponti di transizione, rampe e scale che penetrano nello spazio, un'illuminazione brillante creano l'impressione di fondersi con la natura e la possibilità di completa privacy per una persona.

Villa Savoia(1927-1931) Poissy, Francia

Inventa un sistema di proporzioni architettoniche derivato dalle proporzioni della figura umana - modulatore


CASA A MARSIGLIA (1945-1952)

Una casa – l’abitazione per una persona – è una “macchina per vivere”.

– peculiare modello di una casa ideale per una persona . Disegnato per 350 famiglie (circa 1.600 persone), incarna chiaramente l’idea dell’autore secondo cui “una casa è una macchina per abitare”.

La casa è rialzata su alti pilastri e comprende 337 appartamenti su due piani, negozi, alberghi, roof garden, palestra, pista da jogging, piscina, asilo , cioè tutto ciò di cui una persona ha bisogno per una vita confortevole.


Strutture architettoniche

Le Corbusier

Cappella di Notre-Dame du Haut,

Ronchamps, Francia

Casa

Centrosojuz

A mosca.


IN URSS Lo sviluppo del costruttivismo è stato importante non solo per l'architettura, ma anche per tutti i tipi di arte. Artisti degli anni '20 proporre il compito di progettare l’ambiente materiale che circonda l’uomo. Hanno cercato di utilizzare la nuova tecnologia per creare forme e espedienti semplici, logici, funzionalmente giustificati

disegni. Progetti architettonici originali

fratelli A. A., V. A. e L. A. Vesnin, M. Ya. Ginzburg,

A. V. Shchuseva, I. I. Leonidova, K. S. Melnikova sono stati effettuati nelle più grandi città della Russia.

Vladimir Evgrafovich Tatlin

- fondatore del costruttivismo artistico e del design sovietico, pittore, stenografo.

Torre della III Internazionale. 1919-1920

L'altezza è di 400 metri, 1,5 volte superiore a quella della Torre Eiffel.


ORGANICO (architettura organica)- una direzione architettonica formulata per la prima volta da Louis Sullivan basata sui principi della biologia evoluzionistica negli anni Novanta dell'Ottocento .

  • Parallelo con il costruttivismo si sviluppò una direzione, convenzionalmente chiamata "architettura organica".
  • L'edificio è composto da molti blocchi diversi, che sono completato solo come parte dell'edificio .

L'architettura organica implica rifiuto di forme geometriche rigorose .

Quando si progetta ogni edificio vengono presi in considerazione il tipo di area circostante e la sua destinazione , tutto è soggetto all'armonia.

Ogni stanza ha il suo scopo, che può essere intuito a prima vista.

  • Le ragioni che hanno dato impulso allo sviluppo dell’architettura organica:
  • la presenza di nuovi materiali da costruzione che permettono di creare le forme architettoniche più bizzarre;
  • la sensazione di unità con la natura che dà un simile edificio.

FRANK LLOYD

WRIGHT

“…L’architettura dovrebbe prima di tutto “servire” la vita umana, e solo allora essere simbolo dei concetti astratti di “bontà e bellezza”. L’edificio non deve sopraffare il paesaggio, ma nascere naturalmente da esso, fondendosi con esso e formando un’unità organica”.

(1869-1959)

L'idea di architettura organica, avanzata dall'architetto e teorico dell'arte americano Frank Lloyd Wright (1869-1959), ha ricevuto riconoscimenti a livello mondiale e pratiche pratiche

implementazione in molti paesi. Assegna all'architettura il ruolo di principio unificante tra l'uomo e l'ambiente. Secondo lui, dovrebbe prima di tutto “servire” la vita umana, e solo allora essere un simbolo di concetti astratti di “bontà e bellezza”. L'edificio non dovrebbe sopraffare

paesaggio, ma crescono naturalmente da esso, fondendosi con esso e formando un'unità organica.

Sotto l'influenza dell'architettura giapponese, sviluppò il suo cosiddetto "Stile prateria"- cornicioni leggeri e sporgenti, basse terrazze aperte situate in giardini appartati vicino a bacini naturali. Credeva che le praterie avessero “una bellezza propria”, e quindi il compito dell’architetto era quello di “vedere ed evidenziare questo splendore naturale”.

I suoi interessi includevano ville di campagna private e massicci sviluppi urbani.


Paese Casa Kunley . Lungofiume


VILLA E. KAUFMAN "SOPRA LA CASCATA" (1936-1939)

Più di cento case private furono create da F.L. Wright impiegò solo dieci anni, ma per ciascuno di essi apportò una soluzione architettonica unica.

La villa è diventata un vero capolavoro dell'architetto. La piega ruvida dei muri di pietrisco continuava naturalmente le rocce, fondendosi con una piccola cascata, possenti alberi e un ruscello forestale. Travi in ​​cemento armato ancorate nella roccia sostenevano un complesso sistema di terrazzamenti sovrastanti. La scala al centro della casa scendeva dritta alla cascata. L'architettura dell'edificio si è letteralmente “dissolta” nella natura.


MUSEO MODERNO ARTI Guggenheim (1943-1959) New York

  • uno dei primi musei di arte moderna al mondo. Ora questo museo, situato a Manhattan, New York, gode di una meritata fama ed è popolare tra i visitatori.

“…Wright è stato l’ultimo romantico e il primo razionalista dell’architettura americana” (A. V. Ikonnikov).



I visitatori del Museo Guggenheim iniziano dall'alto e procedono a spirale verso il basso. Questo concetto unico per la disposizione dei padiglioni è stato proposto dall'architetto FL Wright.



Oscar Niemeyer e i suoi palazzi di vetro e cemento.

Oscar Niemeyer è un classico dell'architettura che ha lavorato con Le Corbusier e ha costruito "città del futuro"- la capitale del suo paese, Brasilia, e coautore del progetto per la sede dell'ONU a New York. Non ha smesso di creare quasi fino alla sua morte.

Oscar Niemeyer è morto all'età di 105 anni. La sua eredità è costituita da più di 400 edifici in 18 paesi,

(1907-2012)

"Non sono attratto dagli angoli retti e dalle linee dritte, immutabili e chiare create dall'uomo. Sono attratto dalle curve, libere e sensuali. Quelle curve che possiamo vedere nelle sagome delle montagne, sotto forma di onde del mare, sul corpo di una donna amata”.


Il progetto più famoso di Niemeyer è il progetto della città di Brasilia.

Il masterplan per la nuova capitale del Brasile (Brasilia) si basava sull'intersezione di due assi, a forma di sagoma di un aereo di linea in volo.


Divenne famoso per i suoi esperimenti nel campo dell'architettura in cemento armato.

Il suo stile distintivo si distingue per un ampio l'uso di forme curvilinee, l'abbondanza di luce e spazio.

ministero

affari Esteri

Brasile

"Credo che l'architettura abbia successo se è visibile immediatamente dopo che le strutture principali sono state completate. Questo è ciò che è importante, e non ciò di cui si parlerà in seguito", ha detto in un'intervista.


Edificio residenziale "Kopan" a San Paolo (1951-1965), è l'abbreviazione di C ompania P UN- UN americana de H otéis e Turismo

Un enorme edificio ondulato che ricorda una bandiera sventolante, è il più grande complesso residenziale dell'America Latina.

La casa è composta di sei blocchi attaccati gli uni agli altri. Tutti i blocchi sono collegati tra loro in tre punti: tetto, galleria commerciale e piani terra .

Altezza - 140 mq, 38 piani, 1160 appartamenti e circa 5000 abitanti . Il Comune di San Paolo ha assegnato un proprio indice (ser.: 01046-925) all'edificio a causa della sua densa popolazione.

Piazza 6006 mq .


Palazzo del Governo a Brasilia, 1960

L’originalità dello stile architettonico di O. Niemeyer è

straordinaria plasticità delle forme, espressa nella morbidezza

transizioni dallo spazio interno a quello esterno, introduzione alla composizione di opere di pittura e scultura, organica

combinazione di architettura e arte del giardinaggio.

Il suo stile è spesso chiamato lo stile delle “eleganti linee curve”.


Museo del Moderno

arte a Niteroi, 1996

“Non sono attratto né dall’angolo retto né da una linea retta, dura,

una linea rigida creata dall'uomo. La linea liberamente curva e sensuale mi attrae. Quella linea che mi ricorda le montagne del mio paese, le bizzarre anse dei fiumi, le nuvole alte..."

O. Nemeyer


Cattedrale di Brasilia, 1960-1970

Si alzano dal suolo solo come una corona gigante 16 colonne bianche a forma di freccia , ognuno dei quali sotto forma di curva parabolica parte dal piccolo tetto. Supporti da 90 tonnellate Si rastremano verso il suolo, il che conferisce all'intera struttura un aspetto insolitamente leggero ed aggraziato. Maggior parte parti funzionali complesse edificio nascosto sottoterra . Tra i supporti si trova rete di vetro colorato che, se visto dall'esterno di notte o dall'interno durante il giorno, è una vibrante gamma di blu e verdi.


Palazzo del Congresso Nazionale a Brasilia, 1960

Il lavoro della vita dell'architetto era lo sviluppo di un generale

piano di sviluppo "la prima capitale della civiltà moderna" - la città di Brasilia.

Avendo progettato la maggior parte degli aspetti amministrativi

ed edilizia residenziale, per tre anni (1957-1960) incarnò il sogno di una città ideale commisurata alle esigenze

di una persona e corrispondente alle sue idee sulla bellezza. Letteralmente dal nulla è stata creata una delle città più insolite del pianeta, che attualmente esiste Lo status di patrimonio mondiale dell'UNESCO.


Museo Nazionale del Brasile, 2006

Il contrasto di cupole e piramidi, colonne a forma di freccia e ciotole arrotondate, forme geometriche rigorose e aperte

piazze e parchi, spazio e logica nella disposizione delle strade: tutto ciò rende la città creata dal genio di O. Niemeyer straordinariamente luminosa

ed espressivo.


Museo Nazionale e Biblioteca Nazionale di Brasilia, 2006,

secondo i progetti del 1958

Domande di controllo

1 . Quali principi dell’architettura costruttivista furono incarnati da S. E. Le Corbusier?

Cosa distingue i suoi progetti urbanistici? È riuscito a realizzare

“missione sociale” dell’architettura, creare per le persone “un ambiente grazioso e

una foto allegra"?

2. Torre di V. E. Tatlin - un monumento III Internazionale - ancora non perso

la sua rilevanza e stupisce per l'audacia architettonica e artistica

decisioni. Quali sono le principali scoperte dell'autore? Come si è manifestato?

l'universalità delle sue opinioni? Quanto utopico pensi?

idee di un grande sognatore? Qual è la ragione del loro oblio e del successivo

rinascita nell’arte dell’architettura mondiale? Confronta i campioni

Il costruttivismo architettonico nelle opere di S. E. Le Corbusier e V. E. Tatlin.

3. Le idee non realizzate di V. E. Tatlin furono successivamente utilizzate da molti

strutture moderne, ad esempio: edifici governativi

Brasilia (architetto O. Niemeyer), strutture del Centro da cui prende il nome. J. Pompidou a Parigi (arch.

R. Rogers, R. Piano), l'edificio del Museo d'Arte Moderna Guggenheim a New

York (architetto F.L. Wright), Sydney Opera House (architetto J. Utzon). Quanto

è legittimo affermare che la torre di V. E. Tatlin divenne un modello,

stimolare il pensiero creativo degli architetti moderni? In cosa sei?

Vedi la vera incarnazione delle idee di V. E. Tatlin? Spiega la tua risposta.

4. Lo storico dell’arte architettonica P. Nuttgens ha scritto sulla villa “Sopra la cascata”:

“Wright ha creato il miglior esempio di struttura artificiale complementare

natura." In che modo e come ha “complementato la natura”? Che incarnazione nella sua

aspetto architettonico ha trovato lo “stile prateria”? Come nelle opere di F. L. Wright

Il sogno eterno della vita umana nella natura incontaminata si è avverato?

È possibile parlare dell'influenza di A. Gaudi sull'opera di F. L. Wright?

5. In una delle sue interviste, O. Niemeyer ha detto: “La cosa principale in architettura è questo

era nuovo, toccava l'anima di una persona, gli era utile, in modo che una persona potesse

divertirsi." Cosa c’è di nuovo nell’architettura di O. Niemeyer? È capace?

eccitare l’anima di una persona e allo stesso tempo esserle utile?

Laboratorio creativo

1. Fornisci una descrizione comparativa di un edificio che conosci

modernità e costruttivismo. In che misura soddisfano i principali

criteri dell'architettura: utilità, forza e bellezza? In quale

edificio in cui preferiresti vivere personalmente? Perché?

2. S. E. Le Corbusier ha formulato cinque principi fondamentali

nuova architettura: una casa su pali con cui rafforzare la connessione

spazio ambientale; piano aperto, che

consente di modificare e adeguare i processi funzionali;

libera costruzione della facciata per una più ampia composizione compositiva

decisioni; tenendo conto della percezione visiva si propone

forma a striscia orizzontale delle finestre; tetto piano per

aumentare la superficie utile in cui possono essere posizionati i giardini. Quale

Questi principi si riflettevano negli edifici di Le Corbusier

architettura? Su cosa ha influito?

ulteriore sviluppo dell’architettura?

3. Consideriamo l'immagine della cappella di Ranshan di S. E. Le Corbusier.

Quali nuove tecnologie sono state utilizzate nella sua costruzione? Che cosa

la monumentalità del suo aspetto architettonico? Confronta questo

un'opera con simboli religiosi tradizionali a te noti

edifici. Cosa li rende diversi?

Laboratorio creativo

4. L’idea di V. E. Tatlin di creare una torre della Terza Internazionale può

essere considerato alla luce della costruzione di grattacieli in vari

epoche storiche (piramidi dell'Antico Egitto e precolombiano

America, ziggurat mesopotamici, ingegneria e culto

edifici dell’Antichità, del Medioevo e dell’Antico Oriente). Quale

quali obiettivi si sono prefissati i loro creatori? Come sono stati incarnati in loro

le idee principali della tua epoca storica?

5. Al Guggenheim Museum of Modern Art di New York,

progettato da FL Wright, storico dell'architettura

DS Curl ha visto "Un sorprendente esercizio formale

geometria", ma non un edificio destinato

visione di opere d'arte. Altri lo hanno percepito

come un'enorme scultura. Quali pensi siano state le ragioni?

per tali valutazioni?

6. Il lavoro di O. Niemeyer è stato fortemente influenzato da S. E. Le

Corbusier, tuttavia, riuscì a sviluppare un proprio stile. Come

può spiegare il fatto che alcuni critici chiamano

Le strutture architettoniche di Niemeyer con sculture e se stesso

“Scultore-monumentalista”? È legale, con il tuo

Punti di vista?

Argomenti di ricerca o presentazione del progetto

1. Sviluppo delle idee architettoniche di S. E. Le Corbusier.

2. Principi di base dell'architettura e loro attuazione S. E. Le Corbusier.

3. Caratteristiche degli insiemi urbani S. E. Le Corbusier.

4. Sh. E. Le Corbusier - l'architetto del futuro.

5. “Stile mondiale” di S. E. Le Corbusier.

6. Costruttivismo architettonico di una delle città della Russia.

7. Ricerche creative degli architetti costruttivisti degli anni '20 e '30.

8. Capacità espressive delle opere di V. E. Tatlin.

9. Idee artistiche di V. E. Tatlin e la loro reale incarnazione in opere di architettura moderna.

10. Il significato delle opere di V. E. Tatlin nello sviluppo dell’arte del design e dell’architettura.

11. La Torre di Babele e la torre della III Internazionale V. E. Tatlin: utopia o realtà del piano.

12. Idee di “architettura organica” e la loro incarnazione figurativa in

opere di F. L. Wright.

13. Fantasie architettoniche di F. L. Wright.

14. Lo “stile prateria” e la sua incarnazione negli edifici di F. L. Wright.

15. Qual è l'originalità del progetto architettonico del Museo d'Arte Moderna Guggenheim?

16. Il problema dell'espressività figurativa nelle opere di O. Niemeyer.

17. “Poesia della forma” di O. Niemeyer.

18. Caratteristiche dell'architettura religiosa.

19. Il sogno di una “città ideale” e la sua incarnazione nella creatività (usando l'esempio di Brasilia).

20. Creazioni di S. E. Le Corbusier e O. Niemeyer: esperienza di analisi comparativa.

21. Creatività di O. Niemeyer: novità di soluzioni architettoniche o rifiuto delle tradizioni classiche.


  • Oggi ho scoperto...
  • Era interessante…
  • Era difficile…
  • Ho studiato…
  • Potevo...
  • Ero sorpreso...
  • Volevo…

Letteratura:

  • Programmi per gli istituti di istruzione generale. Danilova G.I. Cultura artistica mondiale. – M.: Otarda, 2011
  • Danilova, GI Art / MHC. 11° grado Livello base: libro di testo / G.I. Danilova. M.: Otarda, 2014.
  • Kalinina E.M., insegnante d'arte e d'arte, Istituto scolastico municipale "Scuola secondaria Ermishinskaya", r.p. Ermish, regione di Ryazan http://urokimxkizo.ucoz.ru/

Descrizione della presentazione per singole diapositive:

1 diapositiva

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All'inizio del XX secolo, davanti agli occhi di un pubblico stupito, nasce una nuova arte, capace di catturare l'immaginazione degli spettatori e dei critici più sofisticati. L'avanguardia russa è diventata un fenomeno unico nella storia della cultura mondiale, che oggi occupa un posto d'onore nelle mostre dei più grandi musei del mondo. Gli artisti russi, che padroneggiarono brillantemente le tradizioni della pittura francese del fauvismo e del cubismo, trovarono la propria strada. Maestri dell'avanguardia russa: Vasily Vasilyevich Kandinsky (1866 – 1944) Kazimir Severinovich Malevich (1878 – 1935) Pavel Nikolaevich Filonov (1883 – 1941)

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Descrizione diapositiva:

Wassily Kandinsky Il futuro artista nacque a Mosca nel 1866 nella famiglia di un uomo d'affari di successo. Subito dopo la nascita dell'artista, la sua famiglia si trasferì a Odessa, dove il ragazzo iniziò a crescere e ricevette le prime lezioni di pittura e musica. Nel 1885 si trasferì a Mosca ed entrò all'Università di Mosca. I dipinti a quel tempo non gli interessavano molto, poiché voleva dedicare la sua vita al lavoro legale. Tuttavia, 10 anni dopo, nel 1895, decide di abbandonare questa direzione e si tuffa a capofitto nell'arte. Ciò era dovuto a una mostra in cui l'artista ha visto l'opera di Monet "Pagliaio". A proposito, a quel tempo aveva già 30 anni. Dopo essere arrivato dall'estero, l'artista iniziò a partecipare attivamente ad attività sociali ed educative, ma nel 1921 Kandinsky V.V. ha deciso di non tornare più in patria. Ciò è stato causato da notevoli disaccordi con le autorità. Tuttavia, nonostante la partenza forzata, l'artista fino alla fine dei suoi giorni ha mantenuto nel suo cuore l'amore per il popolo e la cultura russa, che ha espresso sulle sue tele.

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Alla fine degli anni '20 del XX secolo l'artista si trasferisce a Murnau, una piccola cittadina vicino a Monaco. Qui, nel silenzio dell'entroterra rurale, crea una delle sue opere migliori: “Lake”. Il dipinto è stato dipinto nello spirito dell'espressionismo. Nonostante il fatto che la tela sia stata effettivamente creata dal vero, non ha nulla in comune con le vere vedute del lago. Il pittore credeva giustamente che il suo pennello dovesse catturare non solo singoli oggetti, persone, piante, ma il loro aroma e gusto, sentimenti ed emozioni. L'importante non è mostrare, ma far sentire e capire. Quando si dipingeva l'immagine, venivano utilizzati i colori blu intenso, arancione e persino verde. Un tripudio di colori si estende ovunque l'occhio umano possa vedere. Il lago occupa l'intera tela del dipinto, sul lato destro di esso si possono vedere diverse piccole imbarcazioni. Apparentemente appartenevano a pescatori o amanti delle passeggiate serali. Il lago è stato dipinto al tramonto, perché la sua superficie si macchia dei raggi del sole. L'immagine è luminosa, emotiva, ammaliante.

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Dipinto alla vigilia della Prima Guerra Mondiale e della rivoluzione, questo dipinto è considerato una variazione sul tema dell'Apocalisse. Secondo i critici d'arte, questa particolare composizione personifica la distruzione del mondo. Nonostante l'apparente multicolore, il contrasto principale è chiaramente visibile: tra bianco e nero. Per Kandinsky questi colori simboleggiano rispettivamente la nascita e la morte. Pertanto, la composizione incarna la lotta tra luce e oscurità. Il bianco, diffuso su tutto il piano dell'immagine, prevale sull'oscurità, spingendola nell'angolo in alto a sinistra, a simboleggiare lo sviluppo e la trasformazione. L'artista ha chiamato il diluvio il motivo originale. A poco a poco, la trama originale si è sciolta nei colori e si è trasferita in uno stato interno, indipendente, puramente pittorico. In tutta l’opera di Kandinsky, così come in questa composizione, c’è un innegabile legame con l’icona. Usava spesso scene dell'Antico e del Nuovo Testamento come base per i suoi dipinti. Questo dipinto, insieme alla “Composizione n. 7”, concepita come un’immagine del mondo intero, del cosmo nel momento del disastro, è considerato l’apice dell’evoluzione creativa di Kandinsky.

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Composizione 7 Puoi guardare l'immagine solo dal punto di vista dell'atteggiamento di Kandinsky nei confronti della forma e del colore - solo in questo caso la composizione acquisisce un significato enorme e profondo. I colori dominanti della tela sono il rosso: un simbolo di forza, determinazione, potere immenso; il blu è il colore della pace e il bianco è la personificazione dell'eternità, dell'esistenza preprimaria. Nell'opera è presente anche il colore giallo, che l'autore ha sempre caratterizzato come frivolo e rapidamente disperso. Critici d'arte e ricercatori, basandosi sulle annotazioni del diario e studiando l'opera di Kandinsky nel suo insieme, sono giunti alla conclusione che la Composizione VII combina diversi temi nella sua trama e nella comprensione emotiva: il Giudizio Universale, il Diluvio, la Resurrezione dai Morti e il Giardino dell'Eden.

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Il dipinto “Curva dominante” è uno dei più sorprendenti e caratteristici nell’opera dell’artista. Mostra l'influenza del surrealismo. Insieme alle forme geometriche familiari all'arte astratta, Kandinsky introduce su questa tela alcuni oggetti e immagini biomorfi luminosi. L'artista credeva che ogni opera d'arte fosse una cosa in sé che non richiedeva la comprensione da parte del pubblico e, come a confermare questa idea, sperimentava all'infinito forma e colore. La "curva dominante" multicolore in questo dipinto è composta principalmente da vernice rossa e verde. Alla sua sinistra ci sono grandi cerchi gialli e verdi, che in modo assolutamente inaspettato danno qualcosa come una tonalità cremisi scuro all'incrocio. Nell'angolo in alto a destra ci sono cerchi bianchi e neri dalla forma ideale che ricordano i dischi del grammofono. Nell'angolo in basso a destra c'è una scala cubica blu e bianca. I restanti dettagli della foto sembrano essere di origine biologica; rotondità rosa e bianca simile alle chele di crostaceo; due formazioni multicolori che ricordano un profilo umano; elementi neri e verde scuro che sembrano steli e foglie di piante. Il dipinto è attualmente al Guggenheim Museum di New York.

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I dipinti di Kazimir Malevich sono conosciuti da milioni di persone, ma solo pochi li capiscono. Alcuni dipinti dell’artista spaventano e irritano con la loro semplicità, mentre altri deliziano e affascinano con la loro profondità e significati segreti. Malevich ha creato per pochi eletti, ma non ha lasciato nessuno indifferente. Kazimir Severinovich Malevich è nato nel 1879 a Kiev. Veniva da una famiglia di etnia polacca. La famiglia era numerosa. Casimiro era il maggiore di 14 figli. La famiglia parlava esclusivamente polacco e comunicava con i vicini in ucraino. Nel 1905 Malevich partì per Mosca. Ha provato ad entrare alla Scuola di pittura di Mosca, ma non è stato iscritto al corso. Nel 1906 fece un secondo tentativo di entrare a scuola, fallì nuovamente e tornò a casa. Nel 1907 tutta la famiglia si trasferì a Mosca. Kazimir iniziò a frequentare corsi d'arte. Nel 1910-1914 iniziò un periodo di riconoscimento della creatività neo-primitivista di Malevich. Ha preso parte a numerose mostre a Mosca (ad esempio "Fante di quadri") ed ha esposto in una galleria di Monaco.

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Il celebre dipinto divideva in due periodi non solo la vita dell’artista, ma anche la storia dell’arte. Da un lato, non è necessario essere un grande artista per disegnare un quadrato nero su sfondo bianco. Sì, chiunque può farlo! Ma ecco il mistero: “Quadrato Nero” è il dipinto più famoso al mondo. Sono passati già 100 anni da quando è stato scritto, e le controversie e le accese discussioni non si fermano. Perché sta succedendo? Qual è il vero significato e valore del “Quadrato Nero” di Malevich?

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1. Il “quadrato nero” è un rettangolo scuro Cominciamo dal fatto che il “quadrato nero” non è affatto nero e non è affatto quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessun altro lato o a nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l'immagine. E il colore scuro è il risultato della mescolanza di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e in movimento.

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2. “Black Square” è un dipinto fallito Per la mostra futuristica “0.10”, inaugurata a San Pietroburgo il 19 dicembre 1915, Malevich dovette dipingere diversi dipinti. Il tempo stava già scadendo e l'artista o non ha avuto il tempo di finire il dipinto per la mostra, oppure non era soddisfatto del risultato e lo ha frettolosamente coperto, dipingendo un quadrato nero. In quel momento, uno dei suoi amici entrò nello studio e, vedendo il dipinto, gridò: "Brillante!" Dopodiché Malevich ha deciso di sfruttare l'opportunità e ha inventato un significato più alto per il suo "Quadrato nero". Da qui l'effetto della vernice screpolata sulla superficie. Non c'è misticismo, l'immagine semplicemente non ha funzionato.

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3. "Black Square" è un cubo multicolore Kazimir Malevich ha ripetutamente affermato che l'immagine è stata creata da lui sotto l'influenza dell'inconscio, una certa "coscienza cosmica". Alcuni sostengono che solo il quadrato nel “Quadrato Nero” sia visto dalle persone con un'immaginazione sottosviluppata. Se, considerando questa immagine, vai oltre la percezione tradizionale, oltre il visibile, capirai che di fronte a te non c'è un quadrato nero, ma un cubo multicolore. Il significato segreto racchiuso nel “Quadrato Nero” può quindi essere formulato come segue: il mondo che ci circonda, solo a un primo sguardo superficiale, appare piatto e in bianco e nero. Se una persona percepisce il mondo in volume e in tutti i suoi colori, la sua vita cambierà radicalmente. Milioni di persone, che, secondo loro, erano istintivamente attratte da questa immagine, hanno inconsciamente sentito il volume e il “quadrato nero” multicolore. Il colore nero assorbe tutti gli altri colori, quindi è abbastanza difficile vedere un cubo multicolore in un quadrato nero. E vedere il bianco dietro il nero, la verità dietro le bugie, la vita dietro la morte è molte volte più difficile. Ma chi riuscirà a farlo scoprirà una grande formula filosofica.

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Allo stesso tempo, furono creati ed esposti nella stessa mostra il “Cerchio Nero” e la “Croce Nera”, che rappresentano i tre elementi principali del sistema suprematista. Successivamente furono creati altri due quadrati suprematisti: rosso e bianco.

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Per quanto riguarda il significato dell'immagine, Ksana Blank ha osato confrontare il suprematismo di Kazimir Malevich e l'opera di Leo Tolstoj. In uno dei racconti di Tolstoj c'è la descrizione di una stanza in cui il personaggio principale è sopraffatto dalla malinconia. La stanza appare così. Le pareti della stanza sono imbiancate. Lo spazio stesso aveva una forma quadrata, che ha fortemente influenzato la persona. C'era solo una finestra alla quale era appesa una tenda rossa. Pertanto, si ritiene che il quadrato rosso simboleggi la malinconia. In precedenza, Malevich aveva spiegato il significato del suo primo “Quadrato Nero”. Consisteva nel fatto che il quadrato rappresentava una certa sensazione per l'autore, e lo sfondo bianco fungeva da vuoto nascosto dietro questa sensazione. A questo proposito, Ksana Blank è giunta alla conclusione che il dipinto “Piazza Rossa” simboleggia la paura dell’arrivo della morte inevitabile e la paura del vuoto nella vita di una persona.

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Nel 1916 organizzò la società Supremus, dove promosse le idee di passaggio dal cubismo e dal futurismo al Suprematismo. Dopo la rivoluzione, come si suol dire, “entrò nel flusso” e iniziò a lavorare molto sullo sviluppo dell'arte sovietica. A questo punto, l'artista viveva già a Pietrogrado, lavorava con V. Meyerhold e V. Mayakovsky, insegnava alla People's Art School, diretta da M. Chagall. Malevich creò la società UNOVIS (molti degli studenti di Malevich lo seguirono fedelmente da Pietrogrado a Mosca e ritorno) e chiamò persino sua figlia Una. Negli anni '20 lavorò come direttore di vari musei e istituti a Pietrogrado, condusse attività scientifica e didattica, espose a Berlino e Varsavia, aprì diverse mostre nei principali musei di Pietrogrado e Mosca, insegnò a Kiev, dove fu aperto un laboratorio appositamente per lui.

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K.S. Malevich. Contadina. 1928 – 1932 Museo statale russo, San Pietroburgo.

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Kazimir Malevich creò “La contadina” negli anni 1928-1930. Rimase fedele alle sue tradizioni: forme geometriche voluminose dalle tonalità abbaglianti, parti del corpo sproporzionate, sfondi minimalisti, persone completamente prive di individualità. . L'artista raffigura il suo personaggio con un ovale nero al posto della testa, le braccia pendenti inerti e impotenti, una veste bianca indica che si tratta di una donna. La figura si trova su strisce contrastanti di un campo colorato. Non ci sono altri corpi sullo sfondo: anche qui l'autore è rimasto fedele al suo stile. Tuttavia, la caratteristica distintiva de “La contadina” è il contorno del suo vestito. Confrontando una donna in bianco e nero con la generale multicolore, si può indicare che la sua immagine è cupa. Il dipinto simboleggia lo stile di vita dei contadini: i lavoratori. Il loro lavoro da schiavi, le preoccupazioni infinite e il tormento di una vita difficile: questo è ciò che raffigurano questi dipinti. Malevich spersonalizza i suoi eroi, mostra il loro carattere di massa, l'uguaglianza, l'insignificanza e la meschinità della vita umana.

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Nel 1930 Malevich fu mandato in prigione. È stato accusato di spionaggio a favore della Germania. Ma gli investigatori e gli amici delle autorità hanno fatto di tutto per garantire che l'artista fosse rilasciato entro sei mesi. Pochi sanno che oltre a "Black Square", ci sono anche "Black Circle" e "Black Triangle", e il maestro ha riscritto "Black Square" più volte e solo l'ultima, quarta versione lo ha completamente soddisfatto. Negli anni '30 lavorò al Museo Russo, espose molto, ma dipinse principalmente ritratti, sebbene fosse interessato all'architettura e alla scultura. Nel 1933 si ammalò gravemente e morì nel 1935. Fu sepolto vicino al villaggio di Nemchinovka, dove visse e lavorò a lungo.

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Il destino di Pavel Nikolaevich Filonov è davvero drammatico. Durante la sua vita non vendette nessuno dei suoi dipinti, credendo che tutto ciò che creava dovesse appartenere solo alle persone. Dieci anni prima della sua morte, povero e mezzo affamato, l'artista continuò a dipingere senza interruzione. Incompreso, rifiutato dai contemporanei, dimenticato da alcuni studenti, impossibilitato a esporre, sognava ancora di donare i suoi quadri allo Stato. Dopo l'inizio dell'assedio di Leningrado, Filonov era in servizio in soffitta, lanciando bombe incendiarie dal tetto: aveva molta paura che i dipinti perissero nel fuoco - questo era tutto ciò che aveva creato in tutta la sua vita. Secondo testimoni oculari, Filonov, avvolto in stracci, rimase per ore in una soffitta esposta al vento e scrutò la neve che volava nella finestra quadrata. Ha detto: “Finché rimarrò qui, la casa e i dipinti rimarranno intatti. Ma non sto sprecando il mio tempo. Ho tante idee in testa." Filonov morì di sfinimento proprio all'inizio dell'assedio.

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Le principali direzioni di sviluppo della pittura del XX secolo

Caratteristiche generali Il XX secolo è caratterizzato da una straordinaria varietà di tendenze artistiche nelle arti visive, che non possono essere accomunate da alcuno stile. La pittura del 20 ° secolo è caratterizzata da una varietà di stili e direzioni e dalla ricerca di nuovi percorsi nelle belle arti.

Movimenti nel Fauvismo delle belle arti (Henri Matisse); Cubismo (Pablo Picasso); Surrealismo (Salvador Dalì); Arte astratta (Wassily Kandinsky); Suprematismo (Kazimir Malevich); Analitismo (Pavel Filonov).

Fauvismo Uno dei primi movimenti artistici del XX secolo è stato il Fauvismo (ferocia). Il fauvismo è caratterizzato da immagini piatte, linee spesse e una combinazione di colori giallo e verde. Inizialmente, il fauvismo era considerato un'arte aliena, solo in seguito i ricercatori trovarono in essi un metodo creativo unico.

A. Matisse “Dance”, 1910. La trama del dipinto di Matisse è stata ispirata dalle danze popolari che ha visto. Un'altra versione - "Dance" - è stata scritta sotto l'impressione della pittura vascolare greca. Il principale mezzo espressivo della tela è la combinazione del laconicismo dei mezzi pittorici con le sue enormi dimensioni. "Dance" è scritto in soli tre colori. Il blu rappresenta il cielo, il rosa rappresenta i corpi dei ballerini e il verde rappresenta la collina. Il dipinto raffigura una danza, un girotondo di cinque persone nude sulla cima di una collina.

Cubismo Picasso Il cubismo è un movimento artistico basato su strutture piramidali e corpi geometrici. Il cubismo ha attraversato diverse fasi del suo sviluppo: - cubismo analitico; -cubismo sintetico; Le figure principali del cubismo sono Georges Braque e Pablo Picasso.

Georges Braque (1882 - 1963) “Violino e tavolozza”, 1910. Georges Braque era un rappresentante del cubismo analitico. Nel 1908 organizzò una mostra a Parigi. La sua tecnica principale era la sovrapposizione di un'immagine su un'altra: la versatilità dell'immagine. Decifrare l'intenzione dell'autore è molto difficile per gli spettatori.

Pablo Picasso (1881 – 1973) Il dipinto di Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”, che sfidava una società dissoluta, suscitò vera indignazione.

Natura morta con sedia di paglia, 1912 Il dipinto appartiene al cubismo sintetico, utilizzando vari oggetti della vita reale.

P. Picasso “Ritratto di Vollard”, 1910

Surrealismo Il surrealismo è superrealtà. Emerse ufficialmente nel 1924. Nell'opera dei surrealisti, fantasie, sogni ad occhi aperti, sogni e ricordi acquisirono particolare importanza. I dipinti dei surrealisti combinavano la realtà con l'irrealtà. Le principali tecniche dei surrealisti sono il grottesco, l'ironia, il paradosso. Rappresentanti: Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalì.

Max Ernesto. "Edipo re", 1922.

René Magritte "Il terapeuta", 1937

Salvador Dalì "La persistenza della memoria", 1931

Astrattismo L'astrattismo è classificato come avanguardia russa. Il principio fondamentale dell'arte astratta è la conoscenza dello spazio e l'astrazione di ciò che è scritto. Il rappresentante dell’arte astratta è Wassily Kandinsky (1866 – 1944).

Astrattismo

V. Kandinsky “Composizione 6”, 1913

V. Kandinskij. "Curva dominante", 1936

Suprematismo Il suprematismo è il grado più alto dell'arte. Il fondatore e, forse, l'unica delle sue figure fu Kazimir Malevich. Le componenti principali del Suprematismo sono il colore e le forme geometriche. Il suprematismo è complesso nella sua comprensione e la sua percezione dipende interamente dall’immaginazione di una persona.

Suprematismo di Malevich “La raccolta della segale”, 1912

"Quadrato nero", 1913

"Contadina", 1932

Domande e compiti Dividersi in gruppi. 1. Formula i principi di base della tua direzione. 2.Prova a creare un dipinto adatto al tuo genere. 3. Prepara una risposta coerente sulla trama del tuo dipinto.


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